PAIRE DE SOULIERS.

Au IVe millénaire avant J.C., les premières grandes civilisations se développent en Mésopotamie et en Egypte. Là se forment les trois types essentiels de chaussures : souliers, bottes, sandales.

- Les premières sandales apparaissent dans l’Antiquité égyptienne. Ce type de chaussure plate à lanières s’explique par les conditions climatiques et géographiques de l’Egypte. Confectionnées en cuir, en paille tressée, en lanières de feuilles de palmier ou de papyrus, en jonc ou en roseaux des marécages, en or pour les notables et les pharaons, la sandale reste un objet de luxe.

- Chez les coptes, les sandales en fibre de papyrus ou en cuir sont encore en usage, mais la mode des chaussures fermées prédomine. Comme dans toute l’Antiquité égyptienne, le talon est inconnu des coptes : chaussures bottes et sandales sont toujours à semelles plates.

- Comme en Egypte, la sandale est la chaussure la plus courante dans la Grèce antique. Portée par les hommes et par les femmes, la sandale grecque se compose d’une semelle de cuir ou de liège, pouvant varier en épaisseur, différente pour le pied droit et pour le pied gauche. Des courroies la maintienne au pied.

- Rome, héritière directe de la civilisation grecque, subit son influence. Aussi les chaussures romaines diffèrent-elles peu des chaussures grecques. A Rome, la chaussure est l’indice du rang et de la fortune. Certains patriciens portent des semelles en argent ou en or massif mais les plébéiens se contentent de sabots ou de rustiques souliers à semelles de bois. Les esclaves n’ont pas le droit de porter des chaussures. Ils marchent les pieds nus enduits de craie ou de plâtre.
 

La Caliga, chaussure militaire des Romains, est une sorte de sandale. Maintenue au pied par des lanières, elle comprend une épaisse semelle de cuir ferrée de clous pointus.
La Gallica, ancêtre de la galoche, est un soulier gallo-romain, fermé à semelle de bois.

- Au Moyen-Age, la Gallique ou galoche à semelle de bois est toujours en usage.
Au IXe siècle, la Heuse, chaussure montante en cuir souple annonce la Botte.
A partir du XIe siècle, l’usage du soulier se répand.
 

Les chausses semelées, espèces de bottes en toile renforcées par des semelles en cuir, se portent avec des patins en bois pour aller dehors.
C’est seulement au XVe siècle que la chaussure en cuir l’emporte sur la chaussure en bois.

- Les chaussures de l’époque Renaissance, maintenues au pied par des rubans, présentent des socles d’une hauteur exagérée pouvant atteindre cinquante-deux centimètres. Ceux-ci sont en bois ou en liège gainés de velours ou de cuir souvent richement orné.
La pantoufle, mode importée d’Italie, est adoptée en France dès le début du XVIe siècle. Composée d’une épaisse semelle de liège sans quartiers, sa légèreté en fait une chaussure d’appartement surtout utilisée par les femmes.
 

Dans la seconde moitié du XVI siècle, les hommes comme les femmes portent de fins souliers toujours sans talons, fermés sur le cou-de-pied et largement tailladés. La fragilité de ces souliers impose, pour sortir, le port de patins de bois, afin de protéger les cuirs et les tissus délicats des souillures de la rue. Les paysans, eux, portent des heuses de toile et des souliers grossiers. Les heuses ou houseaux, jambières sans pied ou bottes dans certains cas, formaient avec les brogues, semelles de cuir lacées autour de la jambe, un élément essentiel du costume paysan.

- Au XVIIe siècle, dès les premières années du règne d’Henri IV, les fragiles « eschappins » de la Renaissance disparaissent. Ils sont remplacés par de solides souliers dont le dessus dépasse légèrement la semelle. La grande nouveauté de ce soulier réside dans l’apport du talon qui fit incliner le pied et qui, jusque là, était strictement réservé à la botte de cheval.

- Au XVIIIe siècle, les hommes n’osent plus porter de souliers fins à boucle, de peur d’être catalogués d’aristocrates. Les gens du peuple portent en général des sabots.
Si la chaussure campagnarde reste et restera encore longtemps le sabot, la chaussure portée par le peuple des villes est, pour les hommes, une chaussure de gros cuir noir dont la forme s’inspire des chaussures élégantes.

 

Au XIXe siècle, sous le second Empire, la bottine triomphe. Elle est de cuir ou de tissu ; des broderies ou des galons l’ornent quelquefois. Le talon refait son apparition, mais son aspect est très différent de ce qu’il était sous l’Ancien Régime. Il a la forme d’une demi-bobine et se place tout à fait à l’extrémité postérieure de la semelle. On introduira maintenant sous la voûte plantaire une pièce métallique qui soutient le pied et rend inutile l’implantation ancienne du talon (sous la voûte plantaire). Quant à la tige de la bottine, elle se hausse jusqu’à la naissance du mollet.

 

 

- Durant la seconde guerre mondiale, des types de chaussures jugées particulièrement gaspilleuses de matière première ont été interdites de la fabrication : les chaussures à double semelle ou à tige montante comme bottes ou boots. Pour le reste, des bons sont distribués aux civils regroupant des catégories : . usage travail : brodequin semelle cuir ou caoutchouc . usage fatigue : chaussures basses à semelle cuir ou caoutchouc, dessus en peausserie forte. . usage ville : chausserie basse semelle cuir ou caoutchouc . fantaisie : toute chaussure à semelle basse Les femmes adoptent le pantalon pour avoir moins froid, et puisqu’il n’y a plus de cuir, vive la semelle de bois !    Et là, on peut dire qu’une très riche et très paradoxale époque de création s’ouvre. Les femmes auront des patins en bois et créent de superbes modèles inventifs, aux coloris chatoyants et pleins d’esprits.  Au fur et à mesure, les techniques s’affinent, et sur les chaussures d’hommes, comme sur les modèles de sport pour femmes, on crée des semelles de bois articulées qui donnent l’illusion de la souplesse du cuir. Aujourd’hui, toutes sortes de matières sont utilisées pour la fabrication des semelles de chaussures : matières plastiques, caoutchouc, fibre vulcanisée, bois métal, semelles à plusieurs couches de matériaux différents. Sources : - 4 000 ans d'histoire de la chaussure : exposition au château de Blois du 17 décembre 1983 - 22 janvier 1984 - Musée international de la chaussure, Romans - 5000 ans de chaussures

L'HISTOIRE de la GUÊPIÈRE

La guêpière est l'accessoire séduction qui sublime la beauté de la femme et fait rêver beaucoup d'hommes. Elle s'aperçoit sous un corsage et se laisse admirer dans l'intimité. C'est le must qu'il faut avoir dans son dressing.

LA GUÊPIÈRE, le confort et le charme

La guêpière se compose d'un soutien-gorge pour soutenir les seins, incorporé dans un bustier pour souligner la taille, muni de jarretelles ajustables pour fixer les bas. Si cette lingerie ne réunit ces trois fonctions, ce n'est pas une guêpière.

Pour comprendre l'évolution de la guêpière, il est indispensable de connaître l'histoire du corset dont elle est inspirée.

Dans l'Antiquité, les coquettes qui voulaient avoir une taille de guêpe portait un corset sur les vêtements. Il a été ensuite porté sur une chemise.

En 1370, le corset devait se porter haut et envelopper entièrement la poitrine. Ce n'était donc plus qu'un simple bustier baleiné en coutil, un souffre-douleur dur et lourd moulant le buste, aplatissant les seins et sculptant la taille.

Dès 1550, cet objet de torture quotidienne qui se lace dans le dos fut indispensable pour être une femme à la mode et respectée car Catherine de Médicis avait interdit par décret l'apparition des tailles épaisses à la cour. Le médecin Ambroise Paré signale les risques et ravages qu'ils causent : escarres, déformation de la cage thoracique, côtes se chevauchant, risques respiratoires, mais rien n'y fait.

corps de baleines XVIIè siècle

 

En 1705, le port du corset est totalement abandonné et les femmes libèrent leurs formes.

En 1810, redémarre malgré les recommandations du docteur Ambroise Paré, le commerce du corset avec la tendance du décolleté. Il n'écrase plus les seins, mais les soutient.

 

En 1893, le célèbre corset victorien qui fait fantasmer plus d'un homme devient plus long et se pare de jarretelles, ce qui supprime la jarretière.

Vers 1946, après la seconde guerre mondiale, bien après l'invention du porte-jarretelles en bandeau, la guêpière, la vraie, apparaît.

La première guêpière offre le même soutien aux seins que le corset mais les enveloppe ce qui réduit le décolleté. C'est la période vintage de la guêpière.
Les atouts de cette lingerie ne se trouvent pas exclusivement dans le confort de la coupe qui supprime le nombre de baleines, ni dans l'allègement de son poids.

Les agrafes placées dans le dos, réglables selon la largeur du buste et la taille souhaitée, permettent plus de mobilité que le corset et facilitent grandement la pose. L'ajustement se fait sur le devant après réglage du dos.
Autre avantage non négligeable de la guêpière, les jarretelles cousues au bas du bustier pour maintenir le bas suppriment l'usage du porte-jarretelles. Ainsi la guêpière offre un côté très pratique puisqu'elle conjuguent le soutien-gorge, le serre-taille et le porte-jarretelles.

Toutefois, le port du soutien-gorge et du porte-jarretelles n'est pas délaissé par certaines car la guêpière est souvent considérée comme un accessoire sexy réservée avant tout aux femmes faciles.

En 1947, la guêpière connaît une renommée mondiale, en devenant l'élément incontournable du New Look lancé par le couturier Christian Dior.

Dès 1956, l'invention du soutien gorge à armature permet d'équiper la guêpière en l'intégrant dans le haut du bustier pour un décolleté très pigeonnant devenu très tendance.
Toutefois, l'engouement des femmes pour le soutien-gorge et le collant qui vient d'apparaître sur le marché, mieux adaptés aux danses endiablées du rock, précipite le déclin de cet accessoire de charme.

Au cours de l'année 1958, le modèle de guêpière bordée d'un jupon court fait fureur. Les femmes au foyer réalisent peu à peu que cet accessoire de charme leur est aussi dédié.

Dans les années 60, les femmes qui prônent le port du pantalon condamnent la guêpière en l'apparentant à la soumission de la femme-objet. Elle redevient une lingerie vulgaire, un symbole d'érotisme destinée aux femmes de mauvaises vies.

Depuis ces dernières années, la guêpière s'inscrit dans les tendances de la mode des boutiques de lingeries fines pour le plus grand plaisir de tous.

 

http://www.lingerie-guepiere-jarretelles.net/

Le costume sous le premier empire

 

La mode féminine se transforme radicalement en se débarassant du corset et du panier. On recherche la simplicité par opposition à l'Ancien Régime et pour imiter la mode antique. Eh oui, l'antique était à la mode. Les femmes préfèrent aux robes rococo de fines robes de coton blanche presque tranparentes, avec peu de vêtement de dessous.

robes de 1795
Ce genre de robe apparaît dès Marie-Antoinette, on l'apelle alors "chemise de la reine" :

Cette robe évolue progressivement vers un style néoclassique marqué par les formes raffinés et géométriques de l'antiquité gréco-romaine, comme sur ce protrait de madame Récamier (1802) :

Des étoffes translucides comme la mousseline, la gaze et la percale sont privilégiée pour leur "simplicité". Le vêtement n'est plus fait pour mouler le corps mais pour le draper.

Mais ces tissus sont bien trop fins pour des hivers européens. On porte donc des chales en cachemire et on voit l'apparition des gants longs encore portés aujourd'hui lors de soirée. On reprend aussi les vêtements d'extérieur anglais : le spencer court et la redingote, plus longue. Cette mode est très influencée par les uniformes de l'armée napoléonienne.

Enfin pour les tenues de cour, on retrouve des traits typiques de l'Ancien Régime mais adaptés à la nouvelle silhouette. Le manteau de cour en est la partie la plus typique. Napoléon impose que tous les vêtement de cour soient en soie, ce qui doit lui permettre de relancer la production de soie à Lyon.

 

 

 

 

 

 

source :

http://www.atelier-arachnee.fr/pages/04_Le_costume_sous_le_premier_empire-290269.html

photos google

  

  

Comment se fardaient les Égyptiens, dans quelle ambiance parfumée évoluaient-ils, quelles étaient leurs pratiques corporelles ? Apparemment c’est un pan entier de la culture antique qui devrait nous rester à jamais inaccessible, tant le caractère volatile des parfums semble les condamner à l’oubli, tandis que les corps disparus ont emporté avec eux le secret de leurs pratiques quotidiennes. Et cependant, quelques pistes s’offrent à nous : les textes et les représentations qui, une fois que l’on a évalué correctement leur signification, se fondent nécessairement sur des aspects de la vie réelle. Enfin il reste des vases, vides ou contenant encore des restes. On se prend alors à rêver de recettes antiques…

A la fin de la préhistoire, avant l’apparition de la civilisation pharaonique sur les rives du Nil, on ne sépare pas un défunt de sa palette à fard : on la dépose près de sa tête dans la sépulture. Ce fard vert est un minerai de cuivre, la chrysocolle, que l’on broie en poudre, à l’aide d’un galet, sur la palette. Il reste en usage jusqu’au début de l’Ancien Empire, puis est supplanté sous la IV^e dynastie, à l’époque des grandes pyramides de Giza, par le fard noir à base de galène. Le poisson est la forme animale la plus couramment employée pour les palettes à fard de l’époque de Nagada, au dernier millénaire de la préhistoire, avant la naissance de la civilisation pharaonique. Il n’est pas rare d’observer des traces d’usure prononcée au milieu de la palette, indice de broyages répétés.

Palette à fard en forme de poisson de l’époque prédynastique

 

A l’Ancien Empire (vers 2700-2200 av. J.-C.), hommes et femmes considèrent les deux fards à yeux (vert de cuivre et noir de galène) et les huiles comme des produits particulièrement désirables pour leur vie d’outre-tombe. Ces produits de soin ne sont pas en eux-mêmes considérés comme sacrés. Ils ne font l’objet d’aucune formule dans les « Textes des Sarcophages » et dans le « Livre des Morts », les grands recueils de textes qui accompagnent le mort égyptien, pendant deux mille ans. Les biens désirés dans ces livres sont la nourriture, l’eau et le doux souffle du vent du nord…

L’archétype du vase à onguent parfumé pendant plus d’un millénaire, de la fin de l’Ancien Empire à la fin du Nouvel Empire, 2200-1200 avant J.-C., est en forme de cône légèrement cintré : on le porte à son nez comme on respire la fleur de nénuphar bleu odorante. Ce produit parfumé est appelé « l’onguent-set de fête », comme s’il était préparé spécialement à l’occasion de festivités. A côté de cette forme bien caractéristique, il existe de nombreuses autres types de vases qui ont du contenir des huiles parfumées. Souvent taillés dans des pierres recherchées, ils représentent en eux-mêmes des articles de luxe. Réutilisables à volonté, ils ne correspondent donc pas à un contenu permanent et identique comme c’est le cas pour nos flacons de parfum contemporains.

L’Égypte ancienne ignore la technique de la distillation ; les produits parfumés consistent en onguents et en huiles mêlés de certains composants odorants extraits de plantes ou de résines, par macération préalable, parfois dans du vin, ou par l’expression du jus.

A la Deuxième Période Intermédiaire et au début du Nouvel Empire, entre 1700 et 1500 avant J.-C., les Égyptiens ont exploité des mines de galène, un sulfure de plomb qui est à la base du fard noir ou kohol, au Gebel Zeit, dans la montagne au bord de la mer Rouge. Un petit sanctuaire à la déesse Hathor, patronne des mines, a livré les restes d’objets déposés en offrande à cette grande déesse de l’amour et de la fécondité. Ce sont essentiellement des figurines de femmes nues, modelées en terre cuite, aux visages à peine esquissés, mais aux caractères sexuels développés, habillées de tissus de lin et parées de bijoux.

L’examen des représentations qu’offre l’art égyptien est un mode d’approche de l’univers des parfums et des fards qui n’est pas sans présenter des difficultés d’interprétation. Les hommes et les femmes de l’Égypte ancienne ressemblaient-ils vraiment aux images qu’ils ont laissées ? L’art place le masque de son style entre nous et la réalité passée, qu’il faut décrypter.

 

 

Il est manifeste que les visages et les corps représentés constituent un idéal de beauté conventionnel, et ne reflètent que rarement les caractéristiques des individus, peu importantes aux yeux des Égyptiens. En revanche, les standards de la mode et de l’esthétique sont probablement fidèlement reproduits ; les quelques perruques et vêtements retrouvés témoignent en faveur de l’exactitude des figurations égyptiennes, à l’intérieur des contraintes imposées par le style de dessin. Le maquillage des yeux tel qu’il est reproduit dans l’art est-il inventé de toute pièce ?

Une des énigmes des représentations égyptiennes est celle du cône sur la perruque. Les textes et les scènes attestent la pratique de verser sur la tête des parfums liquides, à base de myrrhe. Dans les banquets figurés dans les chapelles des tombeaux du Nouvel Empire, des serviteurs passent de la pommade sur les bras et sur la perruque des invités. La volonté des Égyptiens de rendre visible les éléments importants que l’œil ne voit pas les amène à pratiquer le rabat à la verticale ; le cône est sans doute à l’origine le « rabat » d’une couche de pommade. Les parfums tenaient une grande part lors des repas : vase à onguent et fleur de lotus portés aux narines, fleurs sur les mets, sur les têtes, autour du cou.

 

Des nombreux objets d’art ont été conservés de cette époque, beaucoup ont trait à la toilette, signe de l’importance de ces préoccupations dans la vie égyptienne : des flacons raffinés, en matériaux précieux, empruntant des formes inventives, qui rompent avec la grande statuaire. Ils proviennent des caveaux des tombes, car il est d’usage à cette époque de déposer auprès du cercueil, parfois à l’intérieur auprès de la momie, les ustensiles employés sur terre, comme s’il s’agissait d’un simple déménagement.

Les usages demeurent parfois mystérieux : soit parce qu’ils ne contiennent plus aucun reste, comme c’est le cas des jolies cuillères dites « à fard », soit parce que l’analyse des produits contenus, comme celle des graisses, ne livre pas leur usage avec certitude. Aucun de ces vases ne porte une prière pour le mort ou une dédicace à un dieu, ce qui indique leur caractère profane ; leur emploi ne correspondait donc pas à des « rites » autres que le désir d’être conforme au goût du jour.

 

 

 

 

Cuillère à fard en forme de bouquet de lotus

Bois – L : 20,2 cm, l : 7,6 cm – Provenance inconnue, Nouvel Empire

Hannover, Kestner-Museum, 2873

Cette cuillère associe deux végétaux, le lotus et le perséa. Le motif est sculpté en creux et forme le cuilleron destiné à contenir le fard ; un petit couvercle monté sur pivot, aujourd’hui perdu, devait fermer le récipient. La silhouette cordée du fruit de perséa évoque le disque solaire émergeant du lotus primordial au moment de la « Première fois ». Le fruit du perséa est lié à l’évocation du renouvellement du cycle vital de la crue. La transposition du milieu naturel sur le plan mythique et cosmique garantit au détenteur de l’objet le retour du cycle et par là-même la renaissance.

 

Au VIII^e siècle avant J.-C. apparaît un nouveau type de vase dont la forme évoluée sera reprise dans tout le Proche-Orient méditerranéen comme flacon à huile parfumée : l’alabastron. La réputation de l’Égypte comme fournisseur de parfums est grande dans le monde grec qu’elle côtoie de façon accrue à partir du VI^e siècle av. J.-C.

A partir du IV^e siècle avant J.-C., la ville de Mendès dans le delta est régulièrement citée comme le lieu de production de parfums recherchés et exportés. Pline, au I^er siècle de notre ère, en livre les composants principaux : de la myrrhe, de l’huile, de la résine. Les auteurs classiques citent également le vin, le miel, la cardamome dans la composition d’autre onguents égyptiens.

Les parfums avaient même leur divinité, incarnée par Chesmou, représenté sous forme humaine à tête de faucon, de bélier ou de lion suivant les époques. Il tient généralement dans les mains deux vases à onguents dont les formes nous rappellent celles des vases de pierre que les Égyptiens réservaient à ces précieux produits. Le rôle de parfumeur divin dévolu à Chesmou ne cessa de croître les siècles passant. Les plus grands temples se dotèrent ainsi de « chambres à parfums » à la fois laboratoire de confection et lieu de stockage comme on peut encore en voir à Edfou ou à Dendérah.

Les onguents utilisés dans les temples donnaient lieu au mélange d’huiles (de lin, de castor, de palme, etc.) avec des parfums les plus précieux importés généralement de l’Orient à prix d’or : benjolin, extrait de cèdre du Liban, myrobolan d’Arabie, encens et myrrhe du Yémen, oliban et térébinthe du pays de Pount, cinnamone d’Éthiopie ou encore nard de l’Inde. S’y ajoutaient encore des extraits de genêt, de labdamum, de safran, d’anis, de menthe poivrée, de cannelle … preuve de la variété et des origines diverses des produits utilisés.

Maintenant ça va mieux avec toutes les nouvelles fragrances que la marque a créées mais Roger et Gallet a longtemps eu une image vieillotte. Et pour cause, c’est une très vieille marque, une des premières à démocratiser les cosmétiques.

1. Les origines de la marque

La marque Roger et Gallet a été créée en 1862 par Armand Roger et Charles Gallet qui reprennent l’enseigne de Jean-Marie Farina qui se situait au au 331, rue du Faubourg-Saint-Honoré. Pour resituer, Farina est celui qui a popularisé l’Eau de Cologne. Il avait apposé son nom sur le flacon, histoire d’éviter la contrefaçon. Comme on peut le voir sur la photo ci dessous, Roger & Gallet a conservé le nom prestigieux par la suite.

©www.pure-beaute.fr

2. Parfumeur de légende

A cette époque, l’enseigne propose déjà près de 700 références de savons. D’ailleurs, en 1879, l’enseigne créer le premier savon rond. ça peut paraître anecdotique mais à une époque où le savon n’acceptait pas de changement de forme (il était souvent trop sec ou trop mou), c’est une petite révolution. Leur spécialité? Les savons « parfumés à cœur ». Contrairement à de nombreux savons où la fragrance est juste en surface, ceux-ci, grâce à une technique particulière, demeurent odorant tout au long de leur vie. Le travail sur les senteurs a une grande importance. Le slogan de la marque n’est-il pas « parfume délicatement la vie« ? La marque ne cesse d‘innover avec fragrances parfois inattendues. Il n’y a qu’à voir ses dernières créations pour s’en assurer.

©www.pure-beaute.fr

3. Les pères de la cosmétique moderne

Roger & Gallet sont également considérés comme des précurseurs de la cosmétique moderne avec les premières lignes de soins et de maquillage, incluant poudres de riz et rouges à lèvres.

4. Des associations prestigieuses

Roger & Gallet, ce sont également de magnifiques flacons. Ils ont très vite compris l’intérêt de s’associer à des grands noms comme Lalique ou Baccarat pour la conception de ses flacons? Le flacon du parfum Narkiss crée en 1912 est justement de Lalique.

 

 

 

 

 

Depuis 1862, la maison Roger & Gallet perpétue le savoir-faire des maîtres savonniers. Une exception raffinée dans l’univers des produits de toilette.

Si l‘« usine à vapeur » de Levallois, qui réalisa les premiers savons Roger & Gallet à la fin du XIXe siècle, n’existe plus depuis les années 1960, c’est en Normandie, dans le petit village de Bernay, que la tradition perdure. Là, se trouve l’une des deux dernières savonneries de France. Et un vrai savoir-faire qui permet de continuer à fabriquer des savons selon la méthode dite « au chaudron ». Des chaudrons, aujourd’hui certes remplacés par des cuves plus modernes, mais cependant toujours recouvertes de toile de jute d’où s‘échappent les vapeurs de cuisson. C’est dans ces cuves que cuit à feu doux la base lavante des futurs savons. Une mousse onctueuse et aérée constituée d’huiles végétales, de soude, d’eau et de sel fin, un mélange qui permet de parvenir à une réaction chimique, dite de saponification.

 

Selon la couleur, les vagues de cette pâte, le savonnier rajoute du sel, parfois de l’eau… C’est l’expérience, l’oeil, qui permet de déterminer si la base lavante est satisfaisante. L’opération dure de quatre à cinq jours. Véritable matière vivante, la pâte repose ensuite durant quarante-huit heures et passe alors d’une teinte crème à un aspect plus caramel. Se solidifie légèrement aussi. Et c’est encore l’expérience du savonnier qui peut juger si cette pâte, désormais déchargée de son humidité, peut prendre la forme de bondillons, sortes de petits boudins de base lavante.

Parfumé au coeur

Ce qui fait également qu’un savon Roger & Gallet n’est pas un savon comme les autres, c’est qu’il est « parfumé au coeur ». Une technique particulière qui lui permet de demeurer odorant tout au long de sa vie, contrairement à des savons concurrents juste enrobés d’un parfum qui disparaîtra au fur et à mesure de leur utilisation. Chez Roger & Gallet, développer des senteurs toujours plus recherchées est une tradition. À la célèbre violette du XIXe siècle, ont succédé – au rang des best-sellers – les senteurs de tilleul, de santal… et l’intemporel « Jean-Marie Farina » dont le catalogue de produits entrait chez Roger & Gallet en 1884. Pour toutes ces fragrances, le challenge à relever est à chaque fois le même : trouver l’essence la plus proche de la solution alcoolique du parfum, pour l’instiller sous forme de concentré dans le savon qui sera associé à l’eau de toilette.

Opération d’autant plus délicate que ce concentré doit résister à l’eau, indissociable à l’utilisation d’un savon. Vingt-deux senteurs différentes ont été ainsi développées, Lotus bleu, Cédrat, Thé vert ou Rose Thé... Pour toutes ces gammes,

 

Un pétrin de boulanger

Ce n’est qu’une fois la « formule magique » du concentré de parfum trouvée qu’un noyau peut être réalisé. Composé de quelques bondillons, de poudres de savon et du fameux concentré, il est ensuite malaxé dans un véritable pétrin de boulanger. Quelques grammes de ce noyau parfumant mélangés à la base lavante permettent alors d’obtenir le savon… désormais odorant.

 Pour toutes ces opérations, de la cuisson au chaudron au mélange avec le noyau parfumant, il faut compter près d’un mois et demi. Le pain de savon peut alors prendre sa forme ronde, avant que la signature de la maison n’aille se frapper sur l’une de ses faces. Là aussi, tout est question d’expérience. Ni trop sec ni trop humide, le savon doit supporter ce changement de forme que Roger & Gallet fut le premier à introduire en 1879.

Et si cela n’a aujourd’hui plus rien de révolutionnaire, ce n‘était pas le cas à l‘époque, où l’on coupait son « bout » de savon dans une forme rectangulaire. Enfin, un savon Roger & Gallet ne serait pas tout à fait un Roger & Gallet sans son papier de soie et la bague de papier qui l’entoure.

 Roger & Gallet crée un concentré de parfum pour savon dont la stabilité d’odeur sera garantie, ainsi que la couleur crème : la maison se faisant un point d’honneur à ne pas utiliser de colorants (exception faite du gingembre qui rosit naturellement et nécessite d‘être stabilisé).

Cependant, au printemps, cette bague a disparu pour s’imprimer désormais directement sur la coque de la boîte voyage. Une évolution due au designer Martin Szekely, dans la lignée des grandes signatures telles que René Lalique ou Baccarat qui, à leur époque, avaient déjà oeuvré à la conception et à l’habillage des produits de la maison.

 

 

 

sources : http://www.pure-beaute.fr/2011/01/24/4-choses-a-savoir-sur-roger-et-gallet/

 http://madame.lefigaro.fr/feminin/un-petrin-de-boulanger-091210-9370

 

 

 

 

Les vertus cachées des fards de l’Egypte ancienne

        

L’Apithérapie et l’Ancienne Égypte

             

Dans la mythologie de l’ancienne Égypte, les abeilles sont nées des larmes du Dieu solaire Rê. En tombant sur le sol, elles se transformèrent en abeilles, qui construisirent des rayons et fabriquèrent du miel pour le bien-être des hommes. L’abeille est avant tout le symbole de la Basse-Égypte unifié avec le roseau, symbole de la Haute-Égypte, scellant ainsi l’unité du pays…
 

Différentes scènes de la vie apicole ont été retrouvées sur des tombes égyptiennes montrant la vie quotidienne des défunts.

On y voit que les Egyptiens consommaient régulièrement du miel, celui-ci était offert en offrande aux dieux; les pharaons l’utilisaient en boisson lors du mariage, d’où la lune de miel. Le miel était considéré comme un produit luxueux pour les onguents et les médicaments.[i] Quant à la cire d’abeille, elle était utilisée pour les momies, les parchemins et les bateaux et les rites d’exécrations pour anéantir les ennemis.

 

 

Les papyrus médicaux égyptiens seraient un extrait des ouvrages de Thot, ils ont été découverts au XIXème siècle. Les ouvrages de Thot constituaient une encyclopédie regroupant Théologie, Astrologie et Médecine. D'après Clément d'Alexandrie, les six derniers des 42 ouvrages de Thot concernaient la science médicale.

 

Avant la découverte des papyrus, les seuls témoignages étaient ceux de l’Antiquité. Une nouvelle traduction des papyrus a permis de revoir la définition de la maladie de l’ancienne Égypte.[ii]
Plusieurs papyrus ont été découverts dans des fouilles clandestines ou officielles. Voici les plus importants qu’on retrouve :

 

Le papyrus SMITH, découvert en 1860 à Thèbes, est un manuel chirurgical pour soigner des blessures précises. Il est conservé à la bibliothèque de l’Académie de médecine de New York et date du début de la 18e dynastie.[iii]

Le papyrus EBERS date de 1550 ans avant notre ère, début du Nouvel Empire. C’est un manuel pratique pour le soulagement de nombreux maux. Il est conservé à la bibliothèque de l’Université de Leipzig. C'est le plus long connu à ce jour (20 m).[iv]

Le papyrus de Brooklyn, qui date de l’époque ptolémaïque (dynastie pharaonique qui régna sur l'Égypte antique de -323 à -30). Ce papyrus traite des reptiles (plus particulièrement les serpents), avec les antidotes à utiliser.

  

Le papyrus de Londres. Il date de la XXème dynastie (vers 1100 av. J.-C.), et contient surtout des formules magiques dont plusieurs sont destinées à aider l'efficacité de médications oculaires[v]

  

Le papyrus Copte de CHASSINAT. C'est le dernier papyrus médical connu, traduit en 1921 par Chassinat. il a été écrit au IXè siècle après J.C. Ce document relativement récent reproduit des prescriptions s'appliquant aux affections oculaires datant de l'Ancien Empire.[vi]

 

La traduction des papyrus a permis de constater que :

 

le miel était l'ingrédient le plus utilisé dans les remèdes, tant en usage externe qu'en usage interne. La proportion de miel allait de 20 à 84% dans les remèdes. Il était utilisé comme onguent pour les blessures et les brûlures pour ses propriétés antiseptiques. Les femmes pratiquaient la contraception à l'aide de préparations à base de miel pour ses propriétés spermicides. Le miel traitait les problèmes ophtalmologiques par ses propriétés anti inflammatoires, etc., pour ne nommer que celles-ci.

La propolis était utilisée par les grands prêtres de l’ancienne Égypte pour les embaumants des momies grâce à ses propriétés antifongique et antioxydante. [vii] La propolis n’est nullement référencée dans les papyrus médicaux, alors que le miel et la cire apparaissent plusieurs fois. Vers la fin du XXième siècle, un apiculteur souleva ce point à un égyptologue spécialisé, qui fit le lien dans les textes entre le terme «chiure de mouche» et la propolis[viii]. Ceci permit de découvrir que la propolis était utilisée dans différents traitements tel que les abcès, seins douloureux, dessécher une plaie, etc.

  

La cire d’abeille était utilisée pour les vertus adoucissantes de celle-ci afin d’éviter l’adhérence des pansements sur la plaie. Elle était utilisée aussi par les prêtres égyptiens pour les embaumements.

 

L’ancienne Égypte avait intégré l’apiculture avec ses produits apicoles à tous les niveaux de son fonctionnement, du clergé à la vie quotidienne.

On retrouve principalement comme produit de consommation le miel, mais les papyrus médicaux n’ont pas fini de nous dévoiler leurs secrets. Des traductions sont révisées régulièrement, changeant le texte de ceux-ci, comme nous avons plus le voira avec le terme «chiure de mouche», qui faisait bien sourire des égyptologues mais qui était en fin de compte de la propolis. Peut-être qu’un travail conjoint d’apithérapeutes et d’égyptologues permettra de revoir la traduction de ces papyrus et d’identifier de nouveaux éléments tel que la gelée royale et le pollen, qui ne sont «à priori» nullement mentionné.

 http://mennefer-glmmm.blogspot.com/2009/01/bia-labeille-de-la-thocratie.html - Grande Loge Maçonnique Mixte de MEMPHIS-MISRAÏM
[ii] http://www.silland.com/EgypteEnMajeste/papyrus_medicaux_fichiers/index_papyrus_medicaux.htm
[iii] http://www.louvre.fr/ - Louvre - Dossier thématique : L’art du médecin égyptien.
[iv] http://www.louvre.fr/ - Louvre - Dossier thématique : L’art du médecin égyptien.
[v] http://www.snof.org/histoire/egypte1.html - Syndicat national des ophtalmologistes.
[vi] http://www.snof.org/histoire/egypte1.html - Syndicat national des ophtalmologistes
[vii] http://www.immortelleegypte.com/articles.php?lng=fr&pg=405
[viii] Ruches et abeilles: Architecture, traditions, patrimoine; Auteurs : Jean-René Mestre, Gaby Roussel; Éditeur : EDITIONS CREER, 2005; ISBN : 2848190361, 9782848190365.

  

 Publié le 07 septembre 2009 par Naturame

sources : http://www.paperblog.fr/2280856/l-apitherapie-et-l-ancienne-egypte/

 

 

On appelle maquillage l'utilisation de produits cosmétiques pour l'embellissement du visage, notamment de sa peau et la modification des traits du visage et du corps pour la création de personnages au cinéma ou au théâtre.

Le maquillage va de la beauté à la réalisation de monstres dans le cadre des effets spéciaux, en passant par le maquillage artistique, cinéma et le body-painting.

  

Dans les domaines audiovisuels et de la mode, le maquillage est réalisé par un(e) professionnel(le), le maquilleur, la maquilleuse au féminin.

 

 

Historique

Le maquillage comme les cosmétiques est très ancien.

Trois mille ans avant Jésus Christ, les égyptiens connaissent déjà le maquillage : rouge à lèvres, khôl, maquillage pour les yeux à base de minerai de plomb, d'antimoine et de malachite. Les caravanes qui acheminent les épices et la soie en Europe, introduisent les cosmétiques et le maquillage en Grèce et dans l'Empire romain

  

Au I^er siècle, Néron et Poppée éclaircissaient leur peau avec de la céruse et de la craie, soulignaient leurs yeux au khôl et rehaussaient leur teint et leur lèvres avec du rouge Des femmes telles que Cléopâtre se maquillaient énormément, mais les produits de l'époque étaient essentiellement fait de produits toxiques comme les métaux, qui détruisaient l'apparence de la peau et provoquaient un vieillissement prématuré de cette dernière.

  

C'est au retour des croisés que le maquillage se répand en Europe du nord où il n'était utilisé que pour les peintures rituelles. Dès le XIII^e siècle, les nobles usent de fond de teint, de teinture à cheveux et de parfum. Au XVI^e siècle, les femmes se poudrent à la céruse et à l'ocre rouge et se colorient les lèvres avec un mélange de teinture de cochenille.

Dès le XVII^e siècle le maquillage est utilisé dans toutes les classes sociales.

Le maquillage moderne fut rendu populaire par le cinéma dans les années 1920

Jusqu'au début du XIX^e siècle les cosmétiques contiennent du plomb, les produits modernes sont testés en laboratoires et fabriqués avec des produits neutres comme le talc, le kaolin, l'amidon de riz auxquels sont ajoutés des huiles et des colorants de synthèse

Les progrès de la recherche en cosmétologie ont permis de développer des produits de maquillage et de soins pour le visage sans risques pour la santé ni la peau. De nos jours, le maquillage est plus subtil. Les femmes cherchent à faire ressortir leur beauté naturelle et à illuminer leur visage. Un célèbre maquilleur de chez M.A.C a un jour dit: ” le maquillage est un outil pour donner confiance et apprécier la beauté intérieure et extérieure. “

  

 

COMMENT SE MAQUILLAIT ON A L'EPOQUE ?

Avant Jésus Christ :

Les premiers maquillages sont évoqués dans la bible et les toutes premières palettes auraient plus de 10 000 ans. Mes ces palettes n'avaient pas la forme ni l'aspect que nous leur donnons aujourd'hui. En effet, les archéologues ont découvert des petites jarres de terre cuite contenant certains produits, a priori, destinés au maquillage. Cependant, aucune certitude n'existe quant à la manière dont on se maquillait... En effet, les portraits les plus anciens que nous connaissons représentant des personnes maquillées sont ceux des Egyptiens.

  

  

Dans l'Egypte ancienne : l'apogée de la beauté et des cosmétiques

Les premiers maquillages et leurs ustensiles ont été retrouvés dans des sépultures datant de 3000 avant Jésus Christ. A cette époque, outre le maquillage, les premiers gestes de beauté et de soins esthétiques ont été donnés.

Les femmes avaient d'ailleurs pour habitude de s'enduire le corps de produits à base de différentes huiles (végétales, de palme, d'olive, de noix) mélangées à certaines herbes parfumées.

Ces huiles ont la spécificité de lutter contre le vieillissement prématuré de la peau. Dans une région si ensoleillée que ne l'est l'Egypte, on peut deviner que ces femmes avaient dors et déjà trouver comment protéger leur peau.

  

 

Vient ensuite le maquillage, qui été d'abord réservé aux prêtres et rites funéraires. Ils avaient pour habitude de s'enduire le corps d'ocre jaune/doré et de rehausser leurs joues avec de l'ocre un peu plus orangée.

  

On se maquillait également de bleu les veines des tempes et du buste. Bien évidemment, comme nous le montre de nombreuses fresques les yeux étaient toujours maquillés. La teinte la plus populaire de cette époque est le vert profond de Moszimit. Il s'agit d'une roche malachite broyée venant de Syrie. Mais certaines nuances existent et elles étaient d'ailleurs très appréciées. Elles étaient toujours créées à partir de roches broyées, de fleurs et d'oxyde de fer.

  

Certains mélanges pouvaient donner des couleurs très irisées. Quant aux lèvres, elles étaient légèrement rehaussées ; et les mains et ongles étaient maquillés de henné. Outre les vertus esthétiques que procuraient le maquillage, celui avait deux autres dimensions : pratique et spirituel, comme cela l'est expliqué plus bas.

  

  

Dans la Grèce antique : La beauté donnée par la nature

A cette époque, la beauté n'était pas une question de coquetterie : on naissait beau ou pas. En effet, dans la Grèce antique l'idéal de la beauté était avant tout donné à un visage harmonieux, aux bonnes proportions du corps et à des formes très féminines ou masculines. Outre, ses attraits physiques, la beauté était également une question de propreté. Hippocrate précise que la beauté passait principalement par l'exercice physique, la fréquentation des termes ou l'on prenait des bains aux huiles essentielles et où on se parfumait.

Le maquillage, quant à lui est exclusivement réservé aux familles riches et influentes, mais on se maquillait de manière très discrète.

La plus part du temps, on ne se maquillait que les sourcils qui devaient définir un arc de cercle parfait, voire même, selon certains, se toucher au milieu. On se fardait de céruse de plomb pour s'éclaircir la peau. Il en est de même chez les Romains, ou on prenait des bains méticuleux. La préparation des femmes prenait beaucoup de temps, notamment pour les cheveux qui étaient coiffés avec beaucoup d'attention.

  

  

Au moyen âge : La beauté prude

C'est ici l'époque de la beauté chaste qui symbolise la foi chrétienne. En effet, le maquillage est considéré comme diabolique car il sert à cacher les défauts du corps que Dieu a créé. Le maquillage menait à la luxure et à la débauche. La seule couleur qui était tolérée était le rouge qui maquillait ainsi les lèvres des femmes. Le top de la beauté était la blondeur, on faisait certaines "potions" à base d'animaux pour éclaircir ses cheveux.

  

La renaissance (vers 1500) : La beauté botticellienne

A cette époque, on idéalisait la femme : elle se devait d'être belle et pleine de formes harmonieuses. On voit apparaître des sourcils épilés, des coiffures de rêves tressées et entrelacées à l'équilibre subtil défiant toute pesanteur. On porte des bijoux et des pierres précieuses. C'est également l'époque du rouge carmin que l'on étalait sur les lèvres et les ongles. Mais le must de la beauté était, ce qu'on appelle aujourd'hui, le blond vénitien.

On l'obtient en s'enduisant les cheveux de citron et de safran et en les exposant des heures au soleil. Mais attention, il fallait se couvrir pour ne pas brunir sa peau. En effet, la peau de porcelaine était de rigueur. Pour se blanchir davantage, on s'enduisait de céruse, solution toxique à base de plomb qui ronge la peau.

  

Le XVII^e siècle : la beauté contredite

La pudeur règne de nouveau sur le monde de la beauté. Elle doit être simple mais surtout majestueuse. On s'habille de noir pour camoufler son corps, le montrer serait signe de luxure. Les femmes, portaient de la dentelle blanche et des perles, seuls accessoires qui étaient autorisés. Cependant, c'est à cette époque qu'apparaissent les premières ébauches du féminisme. Certaines libre-penseuses se coiffent par des édifices impressionnants et ponctuent leur visage de "mouches".

Toutes les femmes se fardent énormément. Tellement, que certains écrits les disent "affreuses" et qu'elles se démaquillaient avec plus de quatre mouchoirs qu'elles envoyaient à la blanchisserie (Boileau). On utilise toujours de la céruse pour se blanchir et du rouge d'Espagne, très toxique aussi, pour ses lèvres.

  

Chez le Roi Soleil : une explosion de couleurs

La beauté devient un véritable feu d'artifice et le naturel n'est aucunement de rigueur. Les rouges éclatent, les teints sont blancs relevés de rouges aux joues, les coiffures deviennent de véritable chef-d'œuvre, pour les femmes comme pour les hommes. On se maquille de manière non stop, même pour aller se coucher. C'est d'ailleurs à cette époque que l'on camouflait ses boutons suintants sans jamais les laisser respirer ! Au lieu de se laver, on maquillait sa saleté. Le maquillage devient un phénomène grandissant au point que l'on réfléchissait même à le taxer!

  

À la fin du XVIII^e siècle : simple et belle.

La beauté est toujours très importante, mais c'est la beauté naturelle qui prime. On se maquille moins. On utilise davantage des couleurs pastelles, plus discrètes, pour se créer des teints toujours aussi clairs mais frais, des visages fins et des lèvres simplement irisées. La beauté passe par le naturel. Les coiffures à l'architecture robuste et éternelle, laissent place à des cheveux subtilement décoiffés. L'hygiène revient en force et elle démarque les différentes classes sociales. Apparaissent également de nouveaux produits cosmétiques et parfumant.

  

  

La mouche est un faux grain de beauté employé pour faire ressortir la blancheur du teint ainsi que dissimuler certaines imperfections (syphilides, herpès) des marquises et courtisanes sous l'Ancien Régime. Elle était constituée de mousseline noire, collée sur le visage. Elles étaient très en vogue au XVII^e et au XVIII^e siècle, voire un peu au début du XIX^e siècle. D'autre part, la localisation de la mouche sur le visage possédait une symbolique particulière qui donnait des précisions sur le tempérament et la personnalité de l'utilisatrice à un moment donné. Les romains et les égyptiens les utilisaient déjà de leurs temps pour camoufler de petits boutons.

  

À la fin du XIX^e siècle : l'allure du désespoir.

  

On parle ici de beauté mélancolique : cheveux noirs, teint blafard, cernes légèrement rehaussées d'encre bleue. On se rend ténébreux ! A l'exception d'une petite touche de rouge sur les lèvres, utilisée par les bourgeoises. Les femmes très maquillées étaient les actrices sur scène.

  

Produits

Certains produits sont utilisés plus fréquemment que d'autres. Les plus courants sont le vernis à ongles; l'anti-cerne; l'autobronzant; le ligneur (dit l' eye liner); le fard comprenant le fard à joues (dit le blush), le fard à paupières (dit l' ombre à paupières), le fard à cils (semblable au mascara), le fard à lèvres (dit le rouge à lèvres); le fond de teint; le khôl (crayon conçu pour l'intérieur de l'œil); le crayon pour les yeux; le mascara; la poudre; le gloss (dit le brillant à lèvres); le rimmel; sans oublier le démaquillant.

 

• La crème hydratante est indispensable avant tout produit appliqué sur la peau. Elle permet d'éviter les taches disgracieuses de fond de teint aux endroits où la peau est la plus sèche.

  

• Le fond de teint sert à unifier le teint et à couvrir les défauts minimes de la peau (ex: légères rougeurs). Sa couleur doit être la plus proche de la couleur naturelle de la peau pour éviter le risque de démarcations au niveau du cou. En aucun cas le fond de teint de sert à avoir l'air bronzé ! Il existe plusieurs formes de fond de teint : fluide, crème, stick, mousse, poudre compacte ou encore un substitut du fond de teint : la crème teintée.

• Une base matifiante peut être utile si la peau à tendance à luire au cours de la journée. D'autre part, des papiers matifiants permettent d'absorber le sébum excédentaire avant une retouche par exemple.

• La poudre libre sert à fixer le fond de teint et le correcteur ou anti-cernes mais s'applique avant le fard à joues.

• La poudre compacte peut être utilisée comme fond de teint traditionnel, pour faire des retouches au cours de la journée ou encore pour creuser les joues des visages ronds.

• L'anti-cernes ou correcteur sert à camoufler les imperfections (boutons, cernes, taches de (dé)pigmentation…). Il est généralement d'un ton plus clair que la couleur de la peau. Il existe des correcteurs de couleur, notamment vert et orange. Le vert est supposé camoufler les rougeurs diffuses du visage, et l'orange le bleu des hématomes ou des veines faciales. Ces correcteurs sont utilisés par transparence avant l'application du fond de teint.

• Le fard à paupières existe sous plusieurs formes : sec (poudre pressée ou libre) ou gras. Pour un maquillage simple et assez naturel, deux couleurs sont conseillées : une claire et une autre plus foncée. Par exemple, poser la couleur foncée sur la partie mobile de la paupière et la plus claire dans le coin interne de l'œil ainsi que sous le sourcil. Presque tout est possible en maquillage mais en général les couleurs les plus claires se placent dans le coin interne de l'œil et les plus foncées au coin externe pour agrandir et illuminer le regard.

• L'eye-liner sert à souligner le regard. Il existe plusieurs types d'eye-liner : eye-liner cake ou gel, fluide, feutre ou encore un simple crayon (khôl). Leur utilisation diffère un peu selon la texture mais en général, on tire un trait continu du coin interne de l'œil jusqu'au coin externe. Il existe plusieurs manières de dessiner le trait en fonction de la forme de l'œil et de l'effet désiré.

• Le rôle du mascara est d'ouvrir le regard en recourbant et allongeant les cils, de donner de la profondeur et de finaliser le maquillage des yeux. Le mascara se pose en regardant vers le bas, en plaçant la brosse à la base des cils et en remontant le long des cils en effectuant des petits aller-retour.

• Le crayon à sourcils permet d'intensifier ou de redessiner la courbe du sourcil. La couleur doit être la plus proche possible de celle des sourcils. Pour combler d'éventuels « trous » dans le sourcil, dessiner de petit traits en imitant les poils.

• Le fard à joues ou blush sert à définir les pommettes, les accentuer et donner bonne mine. La pose la plus courante et la plus simple consiste à sourire exagérément et de poser le fard sur les pommettes. Le fard existe en poudre, en mousse ou en crème mais les crèmes sont à proscrire sur les peaux grasses. Le fard peut être remplacé par de la poudre de soleil (aussi appelée « terre indienne »).

• Le baume pour les lèvres est indispensable avec ou sans rouge ou gloss. Il hydrate et protège les lèvres.

• Le crayon à lèvres définit le contour des lèvres et empêche le rouge à lèvres de filer. Il permet de corriger une éventuelle asymétrie. On le choisit neutre et plus clair que le rouge à lèvres, idéalement il doit être invisible.

• Le rouge à lèvres est la touche finale du maquillage. Si les yeux sont déjà fort maquillés mieux vaut choisir des teintes neutres, naturelles et discrètes.

• Le gloss sert à faire briller les lèvres et à donner du volume par effet d'optique. Le gloss existe en versions colorées ou non, irisées ou non. S'il est teinté, il peut éventuellement remplacer le rouge à lèvres.

Maquillage de mariage Libanais ( une beauté )

Selon la maquilleuse professionnelle Dominique de Vorges l'ordre idéal pour appliquer son maquillage serait le suivant :

1. une base hydratante
2. le fond de teint
3. le correcteur et/ou anti-cernes
4. la poudre libre
5. le fard à joues
6. le crayon à sourcils
7. le(s) fard(s) à paupière
8. le liner et/ou crayon
9. le mascara
10. le crayon à lèvres
11. le rouge à lèvres
12. le gloss

Le fard s'applique souvent à la fin du maquillage, après le rouge à lèvres, afin d'être en harmonie avec celui-ci.

 

  

boite à maquillage chinoise  

Le maquillage dans l'Égypte ancienne

Dans l'Égypte ancienne, améliorer son apparence relevait aussi d'un sens spirituel. Une perruque volumineuse sculptée dans de la cire d'abeille exprimait par exemple un symbole très fort, qui reliait son porteur à Hathor, la déesse des festivités et de l'amour. Les fards à paupières verts (wadju) invoquaient peut-être sa protection.

  

Après la mort, les cosmétiques devaient créer une apparence juvénile et fertile, jugée essentielle pour renaître dans l'au-delà. Utilisé par les deux sexes, le maquillage possédait également des vertus plus terre à terre. Le fard à paupières noir - appelé mesdemet dans l'Antiquité et pour lequel le mot arabe khôl s'emploie aujourd'hui - aurait éloigné les mouches, protégé des rayons aveuglants du soleil et joué un rôle de désinfectant, grâce au sulfure de plomb et au chlore qu'il contenait.

  

Dans le climat très sec de l'Égypte, les huiles et les crèmes, souvent parfumées, hydrataient la peau. De nombreux traitements antirides existaient aussi. Les femmes portaient également des cônes de graisse parfumée.

  

  

source:

http://www.lamarocaine.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1:histoire-du-maquillage&catid=2:maquillage&Itemid=2

  

  

Coiffures du 18eme siècle.

             

 

 

  

  

HISTOIRE de l'HEURE BLEUE de GUERLAIN

 Article écrit par Sylvaine

Le parfum, toute une Histoire. 

 

 

 

 

Les premières découvertes du parfum ont commencé en Égypte. Les égyptiens cherchaient  des bois aromatiques, des herbes, des racines (...) pour créer des parfums. Ils se servaient de fumigations pour honorer leurs dieux. Des fresques représentant des scènes de la vie quotidienne avec l'emploi de substances parfumées ont été découvertes. Ils fabriquaient des onguents et des huiles pour les pratiques religieuses mais également pour eux-mêmes. Ces fragrances étaient conservées dans des godets, des vases en albâtre, des petits flacons en céramique ou en pierre. Les égyptiennes plaçaient sur leur tête des petits cônes de graisse et de résines aromatiques pour parfumer leurs visage, ainsi que leurs cheveux.

Les grecs étaient des fanatiques des repas et des bains, ils mettaient sur leur corps des onguents et des huiles parfumées pour l'hygiène mais aussi pour le plaisir. Les morts étaient enterrés avec leurs objets personnels, dans lesquels il y avait des flacons de parfum. Les médecins grecs utilisaient les vertus du parfum pour soigner les maladies ( fumigations de sauge, des baies de Myrrhe ).

A Rome, le parfum était utilisé en l'honneur des Dieux, comme dans tous les empires ; les romains utilisaient beaucoup de parfum dans la vie quotidienne (bains parfumés...). Selon les romains chaque partie du corps des femmes avait une odeur différente. Elles se parfumaient même la semelle des chaussures. Les parfums d'ambiance avait une grande importance et le parfum avait des vertus thérapeutiques. Néron, pour faire disparaître les traces de ses nuits d'orgie, utilisait un baume d'encens aux vertus régénératrices. Rome était la capitale du parfum grâce à l'importance qu'elle lui vouait et grâce à son statut de principal port de la Méditerranée. Cela permit à cette ville de s'enrichir, par le commerce de tous produits qui permettaient de fabriquer du parfum (plantes, graines, pommades... ), l'industrie se voit donc développée. Les flacons romains existaient sous différentes formes. Ils étaient très chers car très beaux et très travaillés. Ils étaient également à base de produits rares et donc réservés aux gens aisés. Les parties moins aisées de la population utilisaient le flacon en faïence.

Le parfum était très important chez les Arabes. En effet, ces derniers se servaient du ciment mélangé avec un peu de parfum très fort pour construire les mosquées. Cela permettait de répandre l'arôme du parfum aux heures les plus chaudes de la journée lorsque les rayons soleil touchaient les murs. Les arabes ont beaucoup participé au développement de la parfumerie. Ils ont amené en Espagne le jasmin, puis à Grasse au XVIème siècle. Ils ont également inventé l'alambic, qui a permis la naissance d'un nouveau système de distillation.

Au Moyen Age, les échanges commerciaux étaient très réduits. Dans toutes les classes sociales l'hygiène ne se développe que vers 1292 pour éviter toutes épidémies. Les pèlerinages et les croisades offraient des épices et des produits odoriférants qui ont été utilisés pour la médecine. La culture musulmane arriva en Occident et apporta aux Juifs et aux Chrétiens des notions d'alchimie.

Le parfum prit un nouvel essor au XVIIIème siècle. La France domine le monde du parfum : elle est la capitale mondiale de la parfumerie. Paris est la ville où sont installés les plus grands parfumeurs (dont Jean-François Houbigant). Ces derniers inventent  la distillation et l'effleurage à froid, l'art du flacon et l'objet de la beauté se développent (le flacon émaillé peint se développe en France, Genève mais aussi en Angleterre). Le contenu et le contenant étaient vendus séparément. Le parfumeur vendait ses créations dans des fioles simples puis le consommateur le transversait dans des flacons ouvragés.

A la Renaissance, on utilisait énormément de parfum pour l'hygiène mais aussi pour se protéger des maladies ce qui n'était malheureusement pas toujours efficace. L'expansion du parfum est marquée par les grandes découvertes de cette époque (Marco Polo, Vasco de Gamma). Le commerce du parfum commença à se développer en Italie. Les parfums ont été très utilisés par les gens de la Cour. Le docteur Jean Liégeait donna naissance à une eau impériale, utilisée par la Cour et chez les grandes dames. Cette eau était utilisée pour les maux de ventre, de tête, pour la paralysie, la convulsion et l'apoplexie. La Renaissance permit l'expansion de l'utilisation du parfum au domaine médical. Pendant la grande peste, en 1665, on pense que celle-ci venait des odeurs putrides de la rue, comme celles des porcs ou des déjections canines. On soigna donc les plaies avec des vins aromatisés. Les médecins recommandaient à tout homme qui sortait d'une épidémie de peste de se boucher les orifices avec des substances odorantes (ail, persil).

Au XIX ième siècle, l'élégance et le bon goût sont présents. Un nouvel intérêt est développé et est symbolisé par l'odeur délicate et douce. Il existait des formules de bains aromatisés variées (les plus utilisés étaient les bains laiteux à base d'amande douce, d'eau de Cologne, d'eau de cerise...). En Allemagne, on versait dans les baignoires des poignées de mélisse, de thym et de lavande. Les bains parfumés, en Grèce et à Rome, accueillaient beaucoup de dames de haute classe. L'impératrice Joséphine aimait les bains à l'eau de rose  et au cognac : elle soutenait la fabrication des savons en France.

 

Le XXIème siècle marque le début de l'association de la parfumerie et de la mode, qui devient une industrie de luxe. Des parfums apparaissent, représentant la même structure que l'eau de Cologne. Le parfum change de flacon, son emballage et la publicité commencent à jouer un rôle important dans son succès. Le parfum ne cesse d'évoluer. François Coty, parfumeur et homme d'affaires s'associe avec Lalique, verrier. Ils lancent, entre 1904 et 1927, des parfums novateurs et créatifs. Pour la première fois dans l'histoire, ils associent des senteurs naturelles à des fragrances reconstituées artificiellement. Le Chypre de Coty va donner son nom à une famille olfactive, complètement nouvelle et l'Origan inspira l'"Heure Bleue" de Guerlain. A la veille du XXIème siècle, le parfum va faire développer la chimie des odeurs, s'adapter aux modes et trouver de nouvelles technologies comme la génétique.

Dans les années 20, la parfumerie continua à se développer sous l'influence de la mode. Chanel crée une nouvelle image de la femme appelée "la garçonne". La femme est plus libre dans la façon de s'habiller (plus de corset ...). Des parfums aux noms transgressifs correspondent à l'esprit léger de cette époque comme Amour Amour de Patou. De nouvelles matières textiles font leur apparition, comme le jersey : celles-ci font écho à de nouvelles facettes olfactives dans les parfums comme les aldéhydes, utilisées en grande quantité, pour la première fois par Chanel N°5. Le crash de 1929 marquera une rupture et l'arrêt de cette période.

Dans les années 30 et 40, la mode et le parfum s'alient et créent une image «glamour» inspirée par Hollywood et les stars du cinéma américain. Deux parfums légendaires apparaissent : "Miss Dior" de Dior et "Femme" de Rochas. Les premiers parfums masculins sont créés, basés sur les épices ou sur la lavande (Pour un Homme de Caron).

Les années 50 voient émerger les parfums pour hommes ("Monsieur" de Givenchy, "L'Eau" d' Hermès ). Les premiers parfums américains font leur apparition avec "Youth Dew" d' Estée Lauder en 1952. Ils sont d'abord créés sous forme d'huile de bain, puis sous forme d'une eau de toilette très concentrée. Cette parfumerie a fortement influencé le marché européen. Peu de parfums féminins ont survécu jusqu' à aujourd'hui, mais les rares qui sont restés sont devenus cultes ("Cabochard" de Grès, "Diorissimo" de Dior, "Baghari" de Piguet, "L 'interdit" de Givenchy).

De nouveaux parfums sont inspirés par de grands classiques mais avec de nouvelles matières ("L'accord aldéhydé" de Madame Rochas s'inspire d'"Arpège" d'Hermès). A la fin des années 60, une nouvelle vague de fraîcheur de cologne dans les parfums féminins fait son apparition, correspondant à un désir de transparence et au début de l'émancipation des femmes (Eau de Rochas). Les parfums masculins suivent aussi cette tendance avec "Eau Sauvage" de Dior.

  

sources : http://parfum-tpe.e-monsite.com/rubrique,le-parfum-toute-une-histoire,247864.html

  

 

Histoire de l'entreprise Dior.

 

Christian Dior

 

 

Né en 1905 à Granville, Christian Dior grandit dans l'atmosphère de la "Belle Époque". Dès son jeune âge, il est attiré par la musique, le dessin et la création de déguisements. Après la première guerre mondiale, il rejoint Paris sous la demande expressive de sa mère pour s’inscrire à l’école des Sciences Politiques. Mais il met fin aux études afin de se consacrer à sa véritable passion, la mode. Il se lie d’amitié avec des artistes des "années folles" tels que Cocteau ou Max Jacob. En 1928, celui-ci ouvrit une galerie de peinture et exposa des œuvresde très grands artistes tels que Picasso, Salvador Dali, Jean Cocteau, etc... mais hélas, ses parents furent ruinés par la crise boursière de 1929 et il dût fermer sa galerie. Plus tard, vers 1935, il apprit les techniques du dessin de mode et vendit ses croquis à quelques grands couturiers puis il fût mobilisé en 1939.

  

A son retour, il entra chez Lucien Lelong, très célèbre couturier de cette époque. Il dessina les futures collections pendant plusieurs saisons. En 1946, il quitta Lucien Lelong et fonda sa propre maison de couture au 30 avenue Montaigne à Paris. En 1947, il présenta sa première collection. Ce fut une véritable révolution.

  

Christian Dior avait inventé le style « New-Look », épaules arrondies, taille fine avec jupe ample en forme de corolle à 20 centimètres du sol. Avec Christian Dior, Paris redevint la ville du monde ou naissaient les plus belles robes. Aux États-Unis, le couturier reçu l'oscar de la mode, Mais Christian Dior ne veut pas seulement vêtir les femmes, il veut aussi les maquiller et les parfumer, considérant que le parfum est "le finishing touch d'une robe". Est ainsi crée en 1947 sa première fragrancee chyprée intitulé "MISS DIOR"  (qui fut commercialisé, au début, dans un flacon Baccarat en formed'amphore.

  

Plus tard on le retrouva dans un flacon ou apparaît le motif pied-de-poule ) puis en 1948 est créée la Société des Parfums Christian Dior. Le créateur se révélait être quelqu’un de généreux et drôle, avec une part de mystère. Il était très discret sur lui-même et cachait son homosexualité. Véritable homme d’affaire, le créateur part aux États-Unis en 1948 afin d’élargir son champ de travail.

  

Il y bâtit un véritable empire grâce à une stratégie de communication très bien menée : ouverture de bureaux de relations publiques à travers le monde, organisation de défilés à l’échelle planétaire, utilisation des différents médias tels que la radio. En 1957, sa maison assure plus de la moitié des exportations de la couture française, et Time Magazine le consacre à sa Une.

 

L'inventeur du "new-look" meurt cette année là, à Montecatini en Italie d'une crise cardiaque. Christian Dior avait révolutionné la mode en imposant dès la fin des années quarante des formes de vêtements radicalement différentes de celle de l'époque. Son disciple Yves Saint-Laurent nommé directeur artistique reprendra les rennes de sa maison de couture en juin 1962.

  

  

sources : http://parfum-tpe.e-monsite.com/rubrique,histoire-de-dior,246501.html

 

Histoire de l'entreprise Chanel.

 

 

                             Coco Chanel

 

 

  

  

Gabrielle Chanel vit le jour à Saumur (Maine et Loire) le 19 Août 1883.

Au décès de sa mère (elle avait alors 12 ans), elle fut abandonnée par son père. Elle passera sa jeunesse dans un orphelinat en Corrèze. A l’âge de 20 ans, elle entre en qualité de vendeuse dans un magasin de confection pour dames à Moulins (Allier).

A cette époque, elle se sent attirée par la scène et fait ses débuts dans la chanson dans un café-concert de la ville en interprétant « Qui qu’a vu Coco ? » qui contait l’histoire d’un chien perdu. On prétend souvent que c’est à cette chanson qu’elle doit son surnom : mais c’est, aussi, le nom que lui donnait son père lorsqu’elle était toute petite. (« Coco Chanel, un parfum de mystère » par Isabelle Fiemeyer). En 1908, elle rencontre Arthur Capel dit « Boy » qui fût le grand amour de sa vie.

Elle monte alors à Paris et le rejoint dans son appartement de l’avenue Gabriel. En 1909, elle installe son premier atelier de modiste dans une garçonnière du Boulevard Malesherbes. L’année suivante, grâce à Boy, elle s’installe dans des locaux beaucoup plus grands au 21 de la rue Cambon, dans le 1er arrondissement.

A l'entrée, sur une petite plaque, on peut lire : "Chanel Modes". A l’été 1913 alors qu’ils séjournent à Deauville, Boy loue une boutique entre le casino et l’hôtel Normandy, Comme à Paris Coco est modiste (A cette époque , le terme de modiste désignait une créatrice de chapeaux pour dames) mais l’enseigne a changé avec son nom complet : GABRIELLE CHANEL. La boutique ne désemplit pas.

C’est au début de l’été suivant pendant les derniers mois de paix qu’elle se lance dans la couture et s’attire rapidement une clientèle fortunée. Son ascension se poursuit malgré la guerre et, à la faveur d’un séjour à Biarritz, elle ouvre sa première vraie maison de couture. Suivant sa seule inspiration, elle raccourcit les jupes, supprime la taille en un mot libère le corps de la femme en modernisant l’habillement féminin. Elle lancera la mode des cheveux courts, popularisera le jersey et occupera jusqu’à 300 salariés avant de revenir à Paris s’installer au 31 rue Cambon.

En 1921, elle lance sa marque de parfum. C’est à Ernest Beaux qu’elle confie la création de son premier parfum "CHANEL N°5". Créateur de parfum à la cour des tsars de Russie, Ernest Beaux présenta à Coco Chanel deux séries d'échantillons numérotés de 1 à 5 et de 20 à 24. Elle choisit l'échantillon n° 5. A la question "quel nom allez-vous lui donner ?", elle répondit : "je lance ma collection le 5 mai, cinquième mois de l'année, laissons lui le numéro qu'il porte et ce numéro 5 lui portera chance". Coco Chanel affirmait que ce qui était à l'intérieur était beaucoup plus important que le flacon lui-même.

 Elle choisira donc un flacon tout simple en verre épuré et l'estampillera d'une étiquette noire et blanche. L'avant-gardisme artistique est tel, que l'objet sera exposé à New York en 1959 au musée d'art moderne et inspirera Andy Warhol dans une sérigraphie pop art.

En 1954, lors d'une interview, un journaliste demanda à Marilyn Monroe ce qu'elle portait pour dormir, l'actrice répondit naïvement : « quelques gouttes de N° 5 ». Sans le vouloir, la déclaration de Marilyn fit un superbe slogan publicitaire. Quelle chance pour Chanel que Marilyn ait fait cet aveu car, depuis, le N°5 demeure le produit vedette de la maison. En 2004, Chanel déroule le tapis rouge et consacre au N° 5 un film publicitaire de 2 minutes (le plus long de l'histoire de la pub !) réalisé par Baz Luhrmann (à qui l'on doit "Moulin Rouge") et interprété par Nicole Kidman

Jusqu'au début de la seconde guerre mondiale, la boutique Chanel tient bon et garde une certaine clientèle. Elle continue son ascension en habillant les stars d'Hollywood, Marilyn Monroe, Jackie Kennedy... Elle utilise pour ses créations des matières réservées jusque-là à la mode masculine. Elle impose le pantalon, le style désinvolte et les rouges à lèvres flamboyants. Mais sa liaison avec un officier de la Wehrmacht durant la guerre la fait passer à la limite du procès et lui fait perdre la confiance de ses clientes. Elle s'installe alors en Suisse, le temps de se faire un peu oublier.

Elle rouvre sa maison de couture en 1954. Elle relance ses créations de tailleurs en maille et de sacs matelassés signés de ses initiales entrelacées et récupère petit à petit sa clientèle. Coco Chanel disparait en 1971, à l'âge de 88 ans. Depuis cette date c'est Karl Lagerfeld qui occupe le poste de créateur au sein de Chanel.

  

  

sources :http://parfum-tpe.e-monsite.com/rubrique,histoire-de-chanel,246340.html

  

 

http://www.ysl-rougevolupte.com/index.fr.html

 

 

 

HISTOIRE DU ROUGE
 

Ce n’est pas d’hier que l’être humain se farde les lèvres. On aurait commencé à le faire dès l’Antiquité égyptienne, il y a plus de 4000 ans.
Deux mille ans plus tard, à l’époque romaine, les empereurs rehaussaient apparemment leur bouche d’une pointe de rouge. Plus près de nous, au 16e siècle, les femmes rougissaient leurs lèvres avec un mélange à base de poudre d’insectes.
Au 17e siècle, ce sont des pommades au jus de raisin qui servent de rouges à lèvres aux belles.
En 1840, la maison GUERLAIN commercialise Ne m’oubliez pas, le premier tube de l’histoire du maquillage moderne.
 

  

  

Les formules continuent de se raffiner, et 1928 marque la naissance en France du premier rouge à lèvres longue tenue: Rouge baiser, élaboré par le chimiste Paul Baudecroux.
Depuis, la technologie du rouge ne cesse de se perfectionner.
Aujourd’hui, les maisons de beauté rivalisent d’ingéniosité pour peaufiner leurs formules, leurs textures et leurs étuis.

 

 

LES 80 ANS DES ROUGES Shiseido :  

  

Cette maison nipponne fondée en 1872 lance son premier beni ou rouge à lèvres en 1922.
À l’époque, la tradition japonaise réserve l’usage des luxueuses formules colorantes aux célébrations.
En 1929, Shiseido commercialise ses premiers tubes de rouge à lèvres. Six ans plus tard, la maison innove en lançant des sticks mini format, parfaitement adaptés à la femme moderne.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, en pleine pénurie de matières premières, Shiseido offre des tubes de rouge en bois aux travailleuses volontaires des usines de munitions. Encore aujourd’hui, l’esprit d’avant-garde qui associe l’esthétique orientale à la technologie la plus pointue continue d’animer la compagnie.

 

  

Dernier en lice, le Rouge parfait, un tube surdoué qui bénéficie des dernières trouvailles technologiques: un pigment rouge translucide, qui apporte une luminosité hors du commun, et une poudre à double effet, qui règle la couleur en fonction de la lumière ambiante. Résultat, un rouge à la texture divine qui laisse les lèvres souples et brillantes. 

  

  

  

LE ROUGE DES PASSERELLES  

  

À Paris, à Londres ou à New York, le rouge a enflammé les défilés des collections automne 2009.
Chez Christian Lacroix, l’éclat des bouches rubis dans des visages presque nus donnait un look sophistiqué à l’extrême.
Chez Ruffian, l’allure moderne et décontractée était rendue par des lèvres rouge vif, des sourcils bien définis et une chevelure savamment décoiffée.
Au défilé de Vivienne Westwood, les teints d’albâtre contrastaient joliment avec les lèvres cramoisies.  

  

  

  

Les mannequins de Jasper Conran, rétro à souhait, avaient laqué et coiffé leurs cheveux en chignon, ourlé leurs yeux d’eyeliner et peint leurs lèvres cerise.
Du côté de Carlo Tivoli, on a vu des bouches mordues, des regards nimbés de khôl et des pommettes sculptées de fards orangés.

 

 

LES ICÔNES D’HIER...
 

Blanche-Neige Un teint d’opale contrastant avec une bouche cerise.
Joséphine Baker Une peau d’ébène et un sourire irrésistible.
Elizabeth Taylor Une brune piquante aux yeux perçants et aux lèvres vibrantes.

 

  

Marilyn Monroe

Une blondeur incandescente, des courbes sinueuses et une bouche ultra sensuelle.
 

 

... ET CELLES D’AUJOURD’HUI
  

Madonna Une idole planétaire qui dégaine son bâton de rouge à chacune de ses métamorphoses.
Scarlett Johansson Une Marilyn à la bouche incendiaire qui a

ramené le glamour sur le tapis rouge.
Dita von Teese Une pinup sulfureuse qui arbore 24 heures sur 24 des faux cils et une bouche écarlate.

 

 

  

  

Gwen Stefani Une pop star platine qui ne sort jamais sans son rouge pompier.
et puis l'histoire du ROUGE BAISER le fabuleux rouge à lèvres de nos Mères et grand mères !!
C'est un bâton rigolo évoquant Marilyn Monroe qui, le premier, séduisit Jean-Marie, petite poupée blonde en résine ornée d'un col de (vraie) fourrure, commercialisée par Revlon. Notre expert en parfumerie et Art déco auprès des tribunaux croisa la chose lors d'une rencontre annuelle de l'International Perfume Bottle Association (IPBA) aux Etats-Unis.

 

 

  

  

 Marilyn n'allait pas rester seule longtemps.

Dans les placards du collectionneur, elle est rejointe par 250 tubes, certains élégants, d'autres kitsch, tous différents.
Mordu, Jean-Marie l'est! Sa trouvaille la plus ancienne?
Un "étui-glissette" en papier carton signé Roger & Gallet vers 1880. Jusque-là, le fard à lèvres, liquide ou crémeux, se distribuait en fiole ou pot et s'appliquait d'un pinceau tremblotant. Enfin vint le raisin, une pâte teintée à la pulpe de raisin noir. Il se présente en boudin. Pour le loger, on lui invente un tube à bouton pressoir.

  

 

Rechargeable.
En 1915, un certain Maurice Lévy, outre-Atlantique, dépose un brevet pour un bâton à système coulissant. Eurêka! Le rouge, bientôt, sera sur toutes les bouches. "Il est le symbole de l'émancipation!" s'enthousiasme Martin-Hattemberg.
Au XIXe siècle, seules les dames légères, comédiennes ou demi-mondaines, usent de cosmétiques voyants.
 

 

La guerre de 1914-1918: les hommes sont au front, les femmes relèvent la tête.
Elles se maquillent. D'un geste de défi, elles se refont une beauté en public. Et elles fument! Le tube de Rouge Baiser ressemble à un briquet. Pour mieux vous allumer, messieurs...
 

 

  

Rouge baiser

  

 

    

 

Le corset

On estime son apparition au courant du 11e siècle, alors qu’il prenait la forme d’une tunique à lacets. Au 15e siècle, est apparue la basquine, un corset sans manches très ajusté, placé par-dessus la chemise et lassé au dos. Le corset était alors un objet de démarcation des classes aisées d’aristocratie et de bourgeoisie. C’était le temps ou le paraître passait avant le bien-être.

Puis, à travers les différents siècles, le corset a pris divers noms et formes ainsi que d’autres utilités. Un journal parisien de 1859 rapportait la nouvelle suivante : Une jeune femme, dont toutes les rivales admiraient la finesse de la taille, mourut 2 jours après le bal. Qu’était-il arrivé? Sa famille voulut savoir ce qui avait causé cette mort subite à un si jeune âge et il fut décidé de pratiquer une autopsie. Le résultat fut étonnant : Le foie avait été percé par 3 côtes! Voilà comment on peut mourir à 23 ans, non pas par typhus ou en accouchant, mais à cause d’un corset. Cet élément de soutien et de maintien qui a été un accessoire de torture n’en est heureusement plus un.

 

Un corset est un sous-vêtement (aujourd'hui porté plus volontiers en vêtement de dessus) comportant des baleines destinées avant tout à affiner la taille et accentuer ainsi les courbes naturelles féminines, ainsi qu'à maintenir le buste et les hanches.

Ce vêtement oscille entre une connotation très masculine (corset à armer, corset de fer), destiné aux militaires, et un sens usuel, le plus féminin qui soit. Les femmes ont utilisé des corsets presque sans discontinuer du XVIe siècle jusqu'à la mode des robes tubes dans les années 1920 pour se donner une taille de guêpe, ce qui consistait à avoir la taille très fine par rapport aux hanches et à la poitrine.
Il est intéressant de noter que les zones considérées comme les plus érotiques ou significatives du corps féminin ont beaucoup changé suivant les époques : si aujourd'hui c'est la poitrine qui est souvent la partie la plus érotisée, au XIXe siècle c'était bien la taille et sa finesse qui étaient le plus regardées.

 

Le corset n'affinait donc pas la taille pour mettre en valeur, par contraste, la poitrine ou les hanches, mais bien pour la taille elle-même ; on a d'ailleurs à de nombreuses époques utilisé des rembourrages divers sur les hanches, pour accentuer visuellement la finesse de la taille.
Les corsets sont affublés encore aujourd'hui, dans l'esprit de beaucoup, d'une quantité de clichés et de mythes proprement étonnante, et qui ont la vie dure.

 

Voici quelques-uns des clichés les plus courants :
 

"Certains médecins enlevaient les côtes des femmes pour qu'elles puissent serrer davantage leur corset
Certaines femmes de 1900 sont mortes à cause d'organes perforés par des côtes écrasées par leur corset".

Le corset à proprement parler n'existe plus, remplacé par des gaines élastiques beiges et roses qui connaîtront des avatars divers suivant les décennies. Dans les années 1950-60, la femme retrouve brièvement une vraie taille (cf. le New Look de Dior et les pin-ups américaines).
 

Quelques vrais corsets sont encore fabriqués, mais pour le théâtre, l’opéra, les séances photos de stars de cinéma. Au quotidien, le corset n’existe plus. Il laisse des traces en lingerie, où il ne réduit plus la taille, n’est plus baleiné, mais redevient esthétique : guêpière, bustier.
 

Corsets modernes Le corset fait un retour depuis la fin du XXe siècle, d’abord timide dans les années 1980, plus marqué depuis la fin des années 1990. Les vrais corsets existent à nouveau, en marques de prêt-à-porter ou faits sur mesure par des corsetiers, et séduisent aussi bien les nouvelles mariées que les gothiques.

 

 

 

 

 

 

A la fin du Moyen-âge, les femmes portaient des bustiers lacés très serrés et empesés avec de la colle pour maintenir et lisser leur silhouette. Mais au 16e siècle, un nouveau matériau servant à donner forme aux corps et aux vêtements s’est popularisé, à la faveur des découvertes de nouvelles pêcheries de baleines lors des grands voyages transatlantiques et des importations d’Italie et d’Espagne de soies et de velours somptueux, qui réclamaient un maintien plus ferme. Il s’agit de l’os de baleine, également connu sous le nom de fanon.

  

  

Ce n’est en réalité pas du tout de l’os: c’est la kératine qui se trouve dans les mâchoires supérieures des baleines à fanon et qui sert à filtrer le plancton et le krill. Robuste mais flexible, on peut la couper en de très fines bandes. On les insérait dans la doublure des vêtements pour former des bustiers baleinés (encore appelés bodys) qui moulaient le buste en un V rigide. Au 17e siècle, ces doublures à fanons sont devenues des sous-vêtements distincts, appelés «corps à baleine». Le mot «corset» n’a été utilisé au sens actuel du terme qu’à partir du début du 19e siècle, alors que cet objet –et la silhouette très marquée en forme de sablier qui va avec– régnait à la fois sur la mode et sur les discours concernant la bonne santé et la moralité des femmes.

Au début du 20e siècle, les «os de baleines» ont été remplacés par des spirales en acier plates, meilleur marché, et dans les années 1920 et 1930, le corset a laissé place à des gaines plus légères. N’empêche que sous toutes ses formes, celui-ci a été porté par quasi toutes les femmes, quels que soient leur âge et leur classe sociale, jusqu’aux années 1960. Ce n’est qu’à ce moment-là que les femmes ont préféré dessiner leur silhouette par des régimes et de l’exercice physique plutôt que par des vêtements armaturés –avec tout de même toujours un petit coup de main des nouveaux tissus élastiques comme le Lycra.

 

 

 

  

  

sources http://tenuessexy.com/la-lingerieet

Créatrice Vanille de corsets merveilleux : http://www.vanillecreation.net/classique1.html

 

 

 

Les Corsets de Femmes ...  

 

 

 

French Cancan

L’histoire des bas jarretelles

 

 

LES OBJETS DE PARFUMS QUE L’ON PORTE SUR SOI AU XVIIIE SIECLE.

Au XVIIIe siècle, on se parfume de plusieurs façons : en se lavant avec des vinaigres odoriférants ou autres lotions, en parfumant les gants... L’une d’entre elles est de porter sur soi de petits objets spécifiques et raffinés contenant des substances odorantes : des boîtes, des étuis, des bijoux, des flacons, des sachets de senteurs ...     L’étui-nécessaire (avec flacons et entonnoir pour mélanger les parfums, et nécessaire à écrire) que nous présentons ici est vendu dans la boutique et sur le site de : Le Curieux (voir ci-dessous).

LES NECESSAIRES. Les nécessaires de poche (ou étuis-nécessaires) recèlent de petits articles : boîte à mouches, brosse à dent, couteau pliant, crayon, cuillère, cure-oreille, entonnoir (servant à mélanger les parfums se trouvant dans les flacons), flacons, gratte-langue, passe-lacet, peigne, pince à épiler, porte-crayon, racloir pour les dents, tablettes pour écrire des messages, inscrire son emploi-du-temps ou s’en servir comme carnet-de-bal. L’intérieur est doublé de velours ou de soie.     LES BOITES. Diverses boîtes à odeurs se portent sur soi. Les boîtes à pilules peuvent renfermer des pastilles de bouche comme le cachou. Les boîtes à mouches gardent les mouches et le pinceau pour les appliquer sur le visage. Les boîtes à parfum contiennent un morceau de coton ou d’éponge imbibé de vinaigre aromatique ou d’eau parfumée et placé sous une petite grille métallique articulée. Elles ont pour autres noms : boîtes à senteur et vinaigrettes. Elles ont un grand succès aux XVIIème et XVIIIème siècles, et un peu moins au XIXème.   LES POMANDERS. Les pomanders sont les ancêtres des boîtes de senteur. On les appelle aussi pommes de senteur, pommanders, pomandres, pommes d'ambre, pommes à musc... On en utilise au Moyen-âge et encore au XIXème siècle. Le terme vient de « pomme d'ambre ». Ils peuvent avoir plusieurs formes, mais contiennent toujours des parfums secs ou des pâtes qui se composent de produits aromatiques mêlés. Les grands pomanders sont suspendus à la ceinture ou au cou. Les petits, de la taille d'un dé à coudre, se portent de différentes façons. Ceux reliés à une bague par une chaîne se nichent dans le creux de la main. Certains sont fixés en breloques à un bracelet, à un collier, sur un carcan, ou servent de boutons de cape.   LES CHATELAINES. La châtelaine est un bijou en forme de clip ou de crochet ouvragé se fixant généralement à la robe, au niveau de la taille, et qui est prolongé par de petites chaînes auxquelles on suspend toutes sortes d'objets (vinaigrettes, étuis, montres ...) comme des glands de différentes matières dans lesquels on dispose des préparations odoriférantes semble-t-il à l’aide de coton...   LES SACHETS DE SENTEUR. On fabrique aussi des coussinets odorants en soie que l’on porte sur soi. Ils sont généralement remplis de coton parfumé. Ils ont pour noms : sachets de senteur, poches de senteur, des déshabillés de senteur, sachets d’Angleterre ...

Cliquez sur la photographie pour accéder à la collection sur les modes du XVIIe au début du XIXe siècles en France. Cliquez sur la photographie pour plus de détails   ‘Sur un Sachet de Senteur’, chapitre d’un livre du XVIIe siècle de Torche, Antoine (1631-1675), Cassette des bijoux, Paris, Gabriel Quinet, 1668. 8 x 13 cm. Ce livre en édition originale (première édition), a été relié au XVIIIe siècle à un autre : Les Galanteries Angloises ... Deux chapitres sont intitulés 'Sur un Sachet de Senteur' et d'autres sont particulièrement intéressants comme : 'Sur de l’Eau de Fleur d’Orange' ; 'Les Coins, Ou la Défense des Cheveux Postiches, contre les entreprises de Lysandre' …   Nécessaire de poche Rare étui gainé de maroquin vert longs grains. Il contient un nécessaire à parfum (2 flacons et un entonnoir en verre et argent) et un nécessaire à écrire composé d'une tablette d'ivoire à 4 feuillets et d'un petit porte-crayon et son étui en ivoire et ivoire teinté vert, finitions argent. France, Circa 1780. Collection d'Objets de Mode du XVIIe au début du XIXe siècles sources : http://www.lamesure.fr/rubriques/themes.html

 

  

Boucles du XVII eme au XVIII eme siecle   page 1

1 2

Boucle du XVIII eme siecle Boucle du XVIII eme siecle

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Boucle de chaussure XVII / XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

5 6

Boucle de chaussure a chape XVIII eme Boucle XVII eme siecle
siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

9 10

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure en argent XVIII
eme siecle

11

Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle

12 13

Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

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Boucle XVIII eme siecle Boucle XVII /XVIII eme siecle

16 17

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle

18 19

Ardillon de boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII
eme siecle

20 21

Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVII / XVIII
eme siecle

22 23

Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle
eme siecle

24

Boucle de chaussure XVIII eme siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Ardillon de boucle XVIII eme siecle

27 28

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

29 30

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVIII eme siecle

31 32

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

33

Boucle XVIII eme siecle

34

Boucle de chaussure XVIII eme siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme
siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle octogonale a traverse coulée
XVII eme siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII eme siecle

41 42

Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

45 46

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVIII eme siecle

47 48

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle en 8 XVII eme siecle

49 50

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure en etain XVIII eme
siecle

51 52

Boucle XVII eme siecle Boucle circulaire XVII eme siecle

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Boucle de chaussure en argent XVIII eme Boucle de chaussure ajourée XVIII eme
siecle siecle

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Boucle XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle

57 58

Boucle XVII eme siecle Boucle XVIII eme siecle

59 60

Boucle de chaussure a chape XVIII eme Boucle de chaussure a chape XVIII eme
siecle siecle

61 62

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

63 64

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

65 66

Ardillon de boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

67

Boucle de chaussure XVIII eme siecle

68 69

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

70 71

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

73 74

Boucle de col en argent fin XVIII eme siecle Boucle de chaussure en etain XVIII
eme siecle

75 76

Boucle de chaussure a chape XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

77 78

Boucle de chaussure en bronze blanc Boucle de chaussure en bronze blanc
XVIII eme siecle XVIII eme siecle

78 79

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII
eme siecle

80 81

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII
eme siecle

82 83

Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure ajourée XVIII
eme siecle eme siecle

84 85

Boucle monobloc XVII / XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle

86 87

Boucle XVII / XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

88 89

Boucle ronde a traverse coulée XVII Boucle de chaussure XVIII eme siecle
eme siecle

90 91

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVII eme siecle

92 93

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

94 95

Boucle de chaussure XVII eme siecle Boucle de chaussure en argent XVIII
eme siecle

96 97

Boucle de chaussure en bronze blanc Boucle circulaire XVII eme siecle
XVII / XVIII eme siecle

98 99

Boucle de chaussure ajourée en bronze Boucle de chaussure XVIII eme siecle
blanc XVIII eme siecle

100 101

Boucle XVII eme siecle Boucle XVII eme siecle

102 103

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure a chape XVIII eme siecle

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Boucle de chaussure ajourée XVIII eme Boucle de chaussure en bronze blanc
siecle XVIII eme siecle

108 109

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII eme siecle

110 111

Boucle dorée XVII eme siecle Chape de boucle de chaussure XVII / XVIII
eme siecle

112 113

Chape de boucle de chaussure XVII / XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle
eme siecle

114 115

Boucle de chaussure ajourée XVIII eme Boucle de chaussure XVII / XVIII
siecle eme siecle

116 117

Boucle de chaussure XVII / XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle
eme siecle

118 119

Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure en bronze blanc
eme siecle XVIII eme siecle

120 121

Boucle de ceinture XVII eme siecle Boucle rectangulaire XVIII eme siecle

122 123

Boucle de chaussure en etain XVIII Chape de boucle de chaussure XVII / XVIII
eme siecle eme siecle

124 125

Boucle de chaussure en argent XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle
eme siecle avec chape et ardillon

126 127

Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle
eme siecle

128 129

Boucle a coquille XVII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

130 131

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVIII eme siecle

132 133

Boucle de chaussure en argent XVIII Boucle de chaussure en etain XVIII
eme siecle eme siecle

134 135

Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

136 137

Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

138 139

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme
siecle

140 141

Boucle de chaussure ajourée en argent Boucle de chaussure XVIII eme siecle
XVIII eme siecle

142 143

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle

144 145

Boucle en argent XVIII eme siecle Boucle de chaussure en argent XVIII eme
siecle

146 147

Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

148 149

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII eme siecle

150 151

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

152 153

Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme
siecle

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Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle

156 157

Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme
siecle

158 159

Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle
  SOURCES : http://lesbouclesdansletemps.wifeo.com/boucles-du-xvii-xviii-eme-siecle

Boucles du XVII eme au XVIII eme siecle page 1 1 2 Boucle du XVIII eme siecle Boucle du XVIII eme siecle  3 4 Boucle de chaussure XVII / XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 5 6 Boucle de chaussure a chape XVIII eme Boucle XVII eme siecle siecle   7 8 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 9 10 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure en argent XVIII eme siecle 11 Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 12 13 Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 14 15 Boucle XVIII eme siecle Boucle XVII /XVIII eme siecle 16 17 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle 18 19 Ardillon de boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 20 21 Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVII / XVIII eme siecle 22 23 Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle eme siecle 24 Boucle de chaussure XVIII eme siecle 25 26 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Ardillon de boucle XVIII eme siecle 27 28 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 29 30 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVIII eme siecle 31 32 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 33 Boucle XVIII eme siecle 34 Boucle de chaussure XVIII eme siecle 35 36 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 37 38 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle octogonale a traverse coulée XVII eme siecle 39 40 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII eme siecle 41 42 Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 43 44 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 45 46 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVIII eme siecle 47 48 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle en 8 XVII eme siecle 49 50 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure en etain XVIII eme siecle 51 52 Boucle XVII eme siecle Boucle circulaire XVII eme siecle 53 54 Boucle de chaussure en argent XVIII eme Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle siecle 55 56 Boucle XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle 57 58 Boucle XVII eme siecle Boucle XVIII eme siecle 59 60 Boucle de chaussure a chape XVIII eme Boucle de chaussure a chape XVIII eme siecle siecle 61 62 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 63 64 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 65 66 Ardillon de boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 67 Boucle de chaussure XVIII eme siecle 68 69 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 70 71 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 73 74 Boucle de col en argent fin XVIII eme siecle Boucle de chaussure en etain XVIII eme siecle 75 76 Boucle de chaussure a chape XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 77 78 Boucle de chaussure en bronze blanc Boucle de chaussure en bronze blanc XVIII eme siecle XVIII eme siecle 78 79 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 80 81 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 82 83 Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle eme siecle 84 85 Boucle monobloc XVII / XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle 86 87 Boucle XVII / XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 88 89 Boucle ronde a traverse coulée XVII Boucle de chaussure XVIII eme siecle eme siecle 90 91 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVII eme siecle 92 93 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 94 95 Boucle de chaussure XVII eme siecle Boucle de chaussure en argent XVIII eme siecle 96 97 Boucle de chaussure en bronze blanc Boucle circulaire XVII eme siecle XVII / XVIII eme siecle 98 99 Boucle de chaussure ajourée en bronze Boucle de chaussure XVIII eme siecle blanc XVIII eme siecle 100 101 Boucle XVII eme siecle Boucle XVII eme siecle 102 103 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 104 105 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure a chape XVIII eme siecle 106 107 Boucle de chaussure ajourée XVIII eme Boucle de chaussure en bronze blanc siecle XVIII eme siecle 108 109 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII eme siecle 110 111 Boucle dorée XVII eme siecle Chape de boucle de chaussure XVII / XVIII eme siecle 112 113 Chape de boucle de chaussure XVII / XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle eme siecle 114 115 Boucle de chaussure ajourée XVIII eme Boucle de chaussure XVII / XVIII siecle eme siecle 116 117 Boucle de chaussure XVII / XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle eme siecle 118 119 Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure en bronze blanc eme siecle XVIII eme siecle 120 121 Boucle de ceinture XVII eme siecle Boucle rectangulaire XVIII eme siecle 122 123 Boucle de chaussure en etain XVIII Chape de boucle de chaussure XVII / XVIII eme siecle eme siecle 124 125 Boucle de chaussure en argent XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle eme siecle avec chape et ardillon 126 127 Boucle de chaussure ajourée XVIII Boucle de chaussure XVIII eme siecle eme siecle 128 129 Boucle a coquille XVII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 130 131 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVIII eme siecle 132 133 Boucle de chaussure en argent XVIII Boucle de chaussure en etain XVIII eme siecle eme siecle 134 135 Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 136 137 Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 138 139 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 140 141 Boucle de chaussure ajourée en argent Boucle de chaussure XVIII eme siecle XVIII eme siecle 142 143 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII / XVIII eme siecle 144 145 Boucle en argent XVIII eme siecle Boucle de chaussure en argent XVIII eme siecle 146 147 Boucle XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 148 149 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle XVII eme siecle 150 151 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 152 153 Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 154 155 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle 156 157 Boucle XVII eme siecle Boucle de chaussure ajourée XVIII eme siecle 158 159 Boucle de chaussure XVIII eme siecle Boucle de chaussure XVIII eme siecle   SOURCES : http://lesbouclesdansletemps.wifeo.com/boucles-du-xvii-xviii-eme-siecle.php

  

La manière de se vestir

 

 

 

 

 

Néfertiti (Nofretete en allemand) est la grande épouse royale d'Akhénaton, l'un des derniers rois de la XVIII^e dynastie. Elle vécut aux environs de -1370 à -1333/34.

Sa beauté est légendaire, et il est certain qu’elle exerçait un rôle politique et religieux important pendant la période amarnienne. En effet, lorsqu'une équipe d'archéologues américains entreprit récemment la reconstitution virtuelle des parois du temple d'Aton à Karnak à partir de talatates, — un gigantesque puzzle de plus de six mille blocs en grès retirés du IX^e pylône —, elle eut la surprise de constater que les représentations de Néfertiti étaient plus nombreuses que celles d’Akhénaton, son royal époux. Ailleurs, la reine est figurée dans la pose traditionnelle de pharaon châtiant les ennemis de l'Égypte, ou officiant aux côtés du roi devant leur dieu Aton. D’autres reliefs encore montrent le couple royal et les petites princesses dans leur intimité familiale. Toutes ces scènes sont la preuve que la reine exerçait un pouvoir considérable, l'art officiel n’ayant jamais montré de scènes similaires auparavant.

Il n'est pas établi que Néfertiti ait survécu à Akhénaton. Certains égyptologues ont conjecturé cependant qu’à la fin du règne elle aurait été corégente d’Akhénaton sous le nom de Smenkhkarê, dont on pense en général qu'il s’agit d’un jeune frère d'Akhénaton.

  

Généalogie

Voir l’article annexe : Arbre généalogique de la XVIIIe dynastie égyptienne.

	Néfertiti
Naissance	vers -1370	Décès	vers -1334/33
Père	Aÿ ?, Amenhotep III ?	Grands-parents paternels
			Grand-père paternel inconnu
			Grand-mère paternelle inconnue
Mère	Mère inconnue	Grands-parents maternels
			Grand-père maternel inconnu
			Grand-mère maternelle inconnue
Fratrie	Fratrie inconnue
1re épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
2e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
3e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
4e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
5e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
6e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
7e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
8e épouse	inconnue	Enfant(s)	pas d'enfant connu
Mari	Amenhotep IV / Akhénaton	Enfant(s)	Mérytaton (ou Méritaton), L'aimée d'Aton Mâkhétaton, La protégée d'Aton Ânkhésenpaaton, Elle vit pour Aton Néfernéferouaton (ou Néfernéferouaton Tasherit), Belle est la perfection d'Aton (ou Parfaite est la beauté d'Aton) Néfernéferourê, Belle est la perfection de Rê (ou Parfaite est la beauté de Rê) Sétepenrê, L'élue de Rê
2e mari	inconnu	Enfant(s)	pas d'enfant connu
3e mari	inconnu	Enfant(s)	pas d'enfant connu
4e mari	inconnu	Enfant(s)	pas d'enfant connu

Qui donc était La-Belle-est-venue ? Était-ce la fille d’un grand dignitaire, le futur pharaon Aÿ (cf. Hymne à Aton), ou bien une fille d’Amenhotep III ? Nous l’ignorons. Il se peut tout aussi bien qu’elle soit la princesse Tadukhipa^[1] que le roi de Mitanni Toushratta envoya à son frère et beau-fils Amenhotep III (cf. lettres d’Amarna), le nom égyptien de Néfertiti, La Belle est venue, semblant indiquer une origine étrangère. La date de son mariage et de sa montée sur le trône ne sont pas connues avec certitude, comme c’est le cas pour beaucoup d’autres données de cette époque. Il a pourtant été établi que Néfertiti n'est pas une princesse du Mitanni. Néfertiti, contrairement à ce qu'on a pu croire est un prénom bien égyptien comme le souligne l'égyptologue Jean Yoyotte qui rappelle que c'est l'une des appellations de la belle déesse Hathor. Aucun document ne permet de dire si elle vint de l'étranger. La signification de son nom a brouillé les pistes. En fait, et comme le rappelle Jean Yoyotte dans son article sur Néfertiti dans le dictionnaire de la civilisation égyptienne (édition Fernand Hazan), nous savons très peu de choses sur cette reine.

Selon les dernières études Toutânkhamon ne serait pas son fils comme on pouvait le croire jusqu'à présent, mais le fils d'Akhénaton et de sa fille aînée Mérytaton^[baptisée « Young Lady » par les égyptologues qui hésitent sur son identité et ont répertorié la momie KV35YL^[.

 

La disparition de la reine

En l’an treize (ou quatorze) du règne d’Akhénaton (vers -1336) (cf. datation), Mérytaton remplaça sa mère comme grande épouse royale dans les cérémonies officielles, et, à partir de l’an quatorze, Néfertiti disparut de l’iconographie amarnienne. Sur quelques reliefs, son nom et son visage furent même martelés et remplacés par ceux de Mérytaton. Il n’est pas impossible qu’elle soit déjà morte à cette date, d’après une hypothèse, de mort violente. Certains spécialistes avaient un moment avancé une possible disgrâce, elle aurait été évincée par une rivale, Kiya, une autre épouse du roi. On sait aujourd'hui que c'est l'inverse qui s'est produit. Les raisons véritables de cette disparition subite nous échappent encore. Pour compliquer cette énigme des sceaux de jarre à vin avec son nom qui porteraient comme indication : « l'an I de Néfertiti » ont été retrouvés dans le palais nord d'Akhetaton (l'actuelle Tell el-Amarna), ce qui signifie peut-être qu'elle y vécut à la fin du règne de son époux voire qu'elle régna après lui.

La disparition de Néfertiti coïncide avec l'apparition d'un nouveau personnage nommé au titre de co-régent au nom de Ânkh-Khéperourê Néfernéférouaton. Plusieurs chatons de bague inscrits, trouvés par Sir William Matthew Flinders Petrie à Amarna, montrent que ce nouveau personnage est une femme puisque la forme attestée est Ânkh(t)Khéperourê. Manéthon, dans sa liste royale, évoque une « femme roi » à la fin de la XVIII^e dynastie qu'il nomme Acenchêrês (ou Akenkheres ou Achencherês) qui serait une mauvaise transcription d'Ânkh-Khéperourê. Ici encore, nous en sommes réduits à des conjectures. C'est sur ce postulat que des spécialistes y ont vu la certitude qu'il s'agissait de Néfertiti. Cependant l'identité de cette Ânkh(t)Khéperourê a été très discutée : Kiya, Méritaton, Néfertiti ?

Après le court règne du successeur d'Akhénaton, c'est un jeune garçon d’une dizaine d'années qui monte sur le trône, dont elle n'est pas la mère, Toutânkhamon, époux de la princesse royale Ânkhésenpaaton. Une nouvelle hypothèse, qui est toutefois du domaine de l'histoire-fiction, car aucun document ne l'étaye : Néfertiti, encore en vie, mais officiellement retirée des affaires publiques, aurait gouverné dans l'ombre, étant donné le jeune âge du nouveau roi. Cette influence — et probablement sa propre vie — se seraient alors achevées pendant la troisième année de règne de Toutânkhamon, en -1331. C'est en cette année en effet que Toutânkhaton adopta le nom de Toutânkhamon, reniant le culte monothéiste d’Akhénaton et marquant officiellement son soutien au dieu thébain Amon. En même temps, la famille royale abandonna Akhetaton, la ville d’Aton, et revint à Thèbes.

Qu’on ait identifié Néfertiti à la princesse mitannienne Tadukhipa (idée abandonnée aujourd'hui), à Smenkhkarê ou même à Kiya, qu’elle soit morte pendant le règne d’Akhénaton ou qu’elle ait survécu à son royal époux, voire être la « femme roi » qui lui a succédé : aucune de ces hypothèses n'est attestée à ce jour. Seule, pour l'instant, la version proposée par Marc Gabolde, remporte un grand nombre d'approbations de la part des égyptologues. Il propose que Néfertiti meure avant Akhénaton et que ce soit Mérytaton qui succède à son père. Toutefois cette affirmation amène une autre énigme : où a été déposé le corps de la reine ?

 

Buste

Article détaillé : Buste de Néfertiti.

Un buste la représentant l'a rendue célèbre. Il est conservé au Neues Museum à Berlin. Il s'agit d'une des œuvres de l'Égypte antique les plus copiées. On l'attribue au sculpteur Thoutmôsis, et on pense que le lieu de sa découverte était l'atelier du sculpteur. Le buste donne une idée de la manière dont les anciens Égyptiens restituaient les proportions du visage humain.

En 2009, l'historien d'art suisse Henri Stierlin soutient que le buste de Berlin est une copie datant de 1912^[4],[5],[6]. Le conservateur du musée égyptien de Berlin Dietrich Wildung ainsi que plusieurs égyptologues réfutent cette thèse et affirment l'authenticité du buste. Sous réserve d'une preuve matérielle qui fait défaut, le débat n'est pas clos.

La momie de Néfertiti

Le 9 juin 2003, l'archéologue anglaise Joann Fletcher, professeur à l'Université de York, annonça qu’une des momies découvertes en 1898 dans la tombe KV35 de la vallée des rois, mais non encore identifiée, serait celle de la reine.

La momie était en si mauvais état que, d’après Joann Fletcher, elle avait probablement été saccagée peu après la momification. La technique utilisée serait celle employée par les embaumeurs de la XVIII^e dynastie. La position du corps indiquerait un personnage royal.

Le 12 juin, soit trois jours plus tard, Zahi Hawass, directeur de l'ESCA (Egypt's Supreme Council for Antiquities, Conseil suprême des Antiquités égyptiennes), mit en avant l’absence de preuves étayant cette hypothèse, et démentait publiquement que cette momie fût celle de Néfertiti^.

  

sources : wikipedia

photographies texte original et google

  

A cette époque, nombre de tissus précieux provenaient d'Orient ou étaient fabriqués dans certaines régions d'Italie, plus particulièrement celles de Gênes et de Venise ainsi qu'en Espagne. Cependant, ce sont les étoffes de laine qui tinrent la première place durant tout le Moyen-Âge : leurs qualités étaient très variables ainsi que leurs prix.

 

Les italiens produisaient en quantité toutes sortes de tissus tels que velours, satin ou taffetas qui faisaient le bonheur de toutes les classes favorisées de l'Europe. Venise devint un important producteur de soie grâce à l'installation des Lucquois sur leur territoire. Elle devint également le plus grand fournisseur et importateur du marché mondial. L'Espagne était également très friande de soie dont les fabriques survécurent après le départ des musulmans.

 

Une large gamme de couleurs nouvelles fit son apparition grâce aux teintures et aux mélanges de fils de teintes différentes. De plus, les couleurs perdirent le caractère symbolique qu'elles avaient auparavant, ce qui permit à chacun de porter les teintes de son choix quelle que soit sa classe sociale. Cependant, le vert était plutôt réservé aux jeunes.

 

Les tissus de soie étaient réalisés à partir d'armures variées : rayures, damiers, figures... Cependant, cette soie tant prisée ne fut jamais aussi prépondérante que les draps de laine fabriqués par l'industrie flamande. Contrairement à la soie, ils étaient toujours de coloris uni. Les habits de luxe étaient agrémentés de broderies et d'applications représentant toutes sortes de sujets : animaux, végétation, figures diverses.

 

La fourrure avait un rôle important et restait un signe de luxe. Elle était utilisée plus particulièrement en bordure, en doublure, sur les chapeaux. Celles qui plaisaient le plus étaient le renard, la létice qui ressemblait à l'hermine, le castor, le gris, le vair et l'hermine. Ces trois dernières fourrures étaient destinées aux vêtements de cour. L'écureuil, la loutre, le lièvre... étaient plutôt réservés aux bourgeois et à la petite noblesse. Le vair désignait la fourrure de l'écureuil du nord. Celui-ci pouvait être dit "menu vair" lorsque le dos de l'animal gris et son ventre blanc étaient employés successivement pour former un damier à deux couleurs. Le "gros vair" quant à lui, était d'une qualité inférieure. C'était une fourrure couramment utilisée durant tout le Moyen Âge.

Les tissus d'Orient eurent, eux aussi, beaucoup de succès, dans les vêtements de luxe. L'Europe se fournissait en mousseline de soie et d'or venant de Mossoul, de damasquins aux motifs tissés venant de Perse ou de Damas, de soies à décor de figurines nommées "baldacchino", de draps à fond rouge ou noir ornés d'oiseaux bleus et or, venant d'Antioche, etc...

 

Tous ces motifs typiquement orientaux furent largement copiés par les européens. Pourtant, peu à peu, les goûts se transformèrent et les thèmes occidentaux se libérèrent de l'influence orientale. L'Italie, par exemple, donna la primauté au décor floral stylisé. La mode des semis de fleurs s'étendit principalement à Florence et à Gênes. Les velours ou satins façonnés cramoisis pouvaient atteindre des prix considérables lorsqu'ils étaient colorés grâce au kermès. Cette teinture, la plus coûteuse de toutes, était extraite des oeufs d'un insecte originaire de la Méditerranée.

 

Le violet n'avait pas cette connotation de tristesse et de pénitence qui sera réservé au Carême et à l'Avent. Le noir n'était pas non plus destiné à représenter le deuil mais seulement l'influence des modes mondaines. D'ailleurs, les vêtements noirs étaient souvent doublés de tissus aux couleurs vives. Le camocas était un riche tissu de soie souvent agrémenté de rayures d'or ou d'argent fabriqué en Terre Sainte. Il était courant surtout aux 14ème et 15ème siècle. Le cendal était un tissu de soie très utilisé au Moyen-Age et qui ressemblait au taffetas. Il en existait de toutes sortes allant de l'étoffe de luxe jusqu'au tissu de doublure très ordinaire. Le dabiky était un tissu très léger fabriqué au 15ème siècle dans les faubourgs de Damiette. On en faisait des turbans brodés et des robes.Le camelot était un tissu fabriqué avec du poil de chameau originaire d'Asie Mineure. Il fut importé en Occident dés le 13ème siècle par les français et les Italiens. La futaine était un tissu très courant en France depuis le début du 13ème siècle. Il s'agit d'un tissu de coton ou un mélange de coton et de chanvre ou de lin. Il était fabriqué à l'origine à Fustat, faubourg du Caire, ce qui explique son nom. Cette étoffe était utilisée pour fabriquer des vêtements de dessous ainsi que des doublures. Le nom de "bombazin" pouvait désigner un vêtement de dessous fait en futaine ou bien une futaine à deux envers

Le kimono ( de kiru et mono, littéralement « chose que l'on porte sur soi ») est le vêtement traditionnel japonais. Il est souvent confondu, à tort, avec les vêtements d'entraînement des arts martiaux (keikogi, judogi, karategi). Avant l'introduction des vêtements occidentaux au Japon, le terme kimono désignait tous les types de vêtements ; de nos jours il se réfère à la robe traditionnelle japonaise, de forme T, portée essentiellement pour les grandes occasions.

 

Le kimono descend du kosode, un vêtement utilisé auparavant comme sous-vêtement. Il est formé de rectangles de tissus pliés et cousus, mais jamais recoupés ; il est rectiligne, tombant jusqu'aux pieds ou chevilles, suivant la formalité de l'ensemble et la personne qui le porte. Sa particularité consiste dans ses manches très longues, pouvant aller jusqu'au sol pour les kimonos des jeunes femmes (furisode). Le kimono se porte toujours côté gauche sur côté droit : d'une part cela permettait de cacher une arme (tanto), d'autre part, les morts sont habillés en croisant dans le sens inverse . Il est tenu en place par une large ceinture nouée dans le dos, appelée obi.

 

Jeune femme en furisode, 1936

 

Un kimono neuf est particulièrement onéreux, son prix pouvant s’élever à plusieurs milliers d'euros, et le porter est particulièrement compliqué. De nos jours, le kimono est surtout connu par le biais du jour des vingt ans (seijin shiki  ), où les jeunes Japonaises portent un furisode pour la photo traditionnelle. Parmi les plus chers, le furisode porté pour cette fête est souvent loué pour l'occasion. Un usage plus courant du kimono est réservé aux membres de la « très grande bourgeoisie », qui peuvent s'offrir les différents kimonos correspondant aux phases de la vie (jeunesse, âge mur, etc.) et parfois aux saisons. Cependant, ces dernières années ont vu naître un engouement pour les kimonos d'occasion ou sa version simplifiée le yukata.

 

 

Le kimono se nomme aussi gofuku , (littéralement le vêtement des Wus), les premiers kimonos ont été largement influencés par les vêtements traditionnel des Hans, connus aujourd'hui sous le nom de hanfu ( kanfuku  ). L'établissement d'ambassades en Chine a favorisé l'adoption par le Japon de nombreuses traditions chinoises depuis le début du V^e siècle.

 

Obi

Cependant, c'est surtout au cours du VIII^e siècle que la mode chinoise devient populaire au Japon, notamment avec l'adoption du décolleté féminin. Au cours de la période Heian au Japon (794-1192), le kimono devient très stylisé. Puis, pendant la période Muromachi (1392-1573), le "Kosode", un kimono d'une seule pièce anciennement considéré comme un sous-vêtement, a commencé à être utilisé sans le pantalon hakama que l'on mettait par-dessus. À la période Edo (1603-1867), les manches sont devenues plus longues, spécialement pour les jeunes filles, le "Obi" est devenu plus répandu dans de nombreux style suivant les modes. Depuis lors, la forme basique du kimono, tant chez la femme que chez l'homme, n'a presque plus évolué, ceux réalisé avec talent dans des matériaux précieux sont considérés comme des oeuvres d'art.

 

Kosode

 

Le Kimono, en tant que vêtement professionnel, a été maintenant remplacé par le costume occidental comme vêtement de tous les jours. Après un édit de l'empereur Meiji, les policiers, les agent des transports publics et les professeurs ont adopté la tenue occidentale. Ces vêtements ont ensuite été adoptés par l'armée et les écoles. Après le tremblement de terre de Kanto en 1923, les personnes portant des kimono ont souvent été victime de vol à la tire.

 

L'association des fabricants de vêtement pour les femmes et les enfants   a promu les vêtements occidentaux. Entre 1920 et 1930, l'habit de marin a remplacé le port du hakama à l'école. L'incendie de l'entrepôt de Nihonbashi à Shirokiya en 1923 est parfois considéré comme le catalyseur du déclin du port du kimono en vêtement de tous les jours (même si cela est probablement un mythe urbain).

Hakama

 

L'uniforme national, le Kokumin-fuku, un vêtement occidental, a été rendu obligatoire pour les hommes en 1940. Aujourd'hui, les japonais portent couramment des vêtement occidentaux, bien que la tradition du kimono reste ancrée dans la culture, déclinée dans sa version simplifiée très usitée, le Yukata.

 

Le kimono des femmes

 

Le choix d'un kimono est très important ; le vêtement ayant tout une symbolique et la façon de le porter comportant des messages sociaux qui peuvent être très précis. Tout d'abord, une femme choisit le kimono suivant son statut marital, son âge et la formalité de l'événement. En ordre descendant de formalité :

 

- Kurotomesode   : kimono noir avec des motifs seulement en dessous de la taille. Le kurotomesode est le kimono le plus formel pour les femmes mariées. Il est porté aux mariages par les mères des mariés. Un kurotomesode a cinq kamon (blasons de famille) : un sur le dos de chaque manche, un au milieu du dos, et un sur le devant de chaque épaule.

 

kurotomesode

 

-F  urisode   : furisode se traduit littéralement par manches flottantes — en moyenne, les manches d'un furisode mesurent entre 100 et 110 centimètres de long. Le furisode est le kimono le plus formel pour les femmes célibataires (non mariées). Les motifs couvrent le haut et le bas du vêtement ; c'est ce kimono qui est porté au seijin shiki, ainsi qu'aux mariages, par les jeunes femmes de la famille des mariés.

 

Furisode

 

- Irotomesode  : ressemble au kurotomesode, mais en une couleur (non noir). Comme le kurotomesode, les motifs se trouvent seulement en dessous de la taille. Un irotomesode est légèrement moins formel qu'un kurotomesode ; il est porté aux mariages par les femmes mariées de la famille des mariés. Un irotomesode peut avoir trois ou cinq kamon.

 

Irotomesode

 

- Homongi   : se traduit littéralement « vêtement de visite ». Caractérisé par des motifs continus sur les épaules et manches, ainsi qu'en dessous de la taille, un homongi est un peu plus formel que son cousin le tsukesage. Le homongi peut être porté par les femmes mariées et célibataires ; ce sont souvent les amies de la mariée qui le porteront aux mariages. Un homongi peut aussi servir aux sorties formelles, telles des galas.

 

Homongi

 

- Tsukesage  : un tsukesage a des motifs plus modestes et qui sont moins continus que ceux des homongi. Il peut être porté par les femmes mariées et célibataires.

 

Tsukesage

 

- Iromuji  : kimono d'une seule couleur, qui peut être porté par les femmes mariées et célibataires. Il est surtout porté pour le chanoyu, cérémonie du thé. La soie peut être un jacquard (rinzu), mais n'a pas de motifs coloriés.

 

Iromuji

 

- Komon  : petit motif. Il s'agit d'un kimono avec un motif répétitif. Ce kimono est assez informel, et peut être porté en ville, ou rendu plus formel avec un joli obi pour manger au restaurant. Les femmes mariées et célibataires peuvent le porter.

 

Komon

 

- Edo komon  : un type de komon caractérisé par de minuscules points qui forment des motifs. La technique de teinture edo komon a ses origines dans les samouraï de la période Edo. Un edo komon est aussi formel qu'un iromuji ; quand il comporte des kamon (un seul kamon étant le plus courant, mais il en existe avec trois), il peut être porté aux mêmes événements qu'un tsukesage ou houmongi.

 

Edo Komon

 

- Yukata  : vêtement informel, sans doublure, fait de coton habituellement, mais aussi de lin ou de chanvre. Les yukata sont portés en été, aux festivals, par femmes, hommes et enfants. Ils sont également portés aux onsen (bains chauds), où ils sont souvent fournis par l'établissement, on parle alors de yukatabira.

 

Yukata

 

Savoir endosser le vêtement traditionnel fait partie de la bonne éducation d'une femme, même si, dans le mode de vie actuel, elle a peu l'occasion de le porter. L'enseignement de cet art est en plein essor et les établissements spécialisés prolifèrent. A la fin de chaque session, l'école organise une fête en l'honneur des lauréates. Celles-ci reçoivent alors un diplôme dûment avalisé par les autorités.

  

  

GUERLAIN 

 

 

Histoire En 1828, après des études de médecin chimiste en Angleterre, Pierre-François-Pascal Guerlain, s'installe à Paris comme parfumeur vinaigrier. La même année il crée la parfumerie Guerlain, sous la forme d'une boutique dans l'Hôtel Meurice à Paris. Il y vend des sapoceti — savons au blanc de baleine parfumés aux essences naturelles —, ses premières eaux de toilette comme Senteurs des Champs et Bouquet du Jardin du Roi, des lotions importées d'Angleterre, des crèmes de soin de la peau, comme son Blanc de perles, censé éclaircir le teint de la peau, une crème liquéfiée de graisse d'ours et une crème de rose aux limaçons. S'y ajouteront des poudres (1830), des fards à joue et un extrait de rose liquide pour les lèvres.

 

1853 marque la création de l'Eau de Cologne Impériale, un des grands classiques de la maison. En 1870, c'est la création de Ne m'oubliez pas, le premier bâton de rouge à lèvres en tube élaboré à partir de cire à bougie parfumée. L'idée est venue d'un cousin qui fabriquait des bougies. 1880 correspond à la création de la première poudre compacte.

 

  

  

En 1889, correspond à la création de Jicky par Aimé Guerlain, composé de fragrances de bois associées à d'autres aromates comme la lavande, l'iris, la coumarine à odeur de foin, et des baumes.

  

 

Il fut le premier parfum à utiliser des produits de synthèse dans sa composition; mais, son secret a été d'ajouter une légère note animale issue des glandes anales de la civette, un petit félin, ce qui à l'époque choqua les femmes mais plût aux dandys.

 

  

  

  

  

En 1904, est créé Secret de Bonne Femme, la première crème hydratante à la texture de crème fouettée.

  

  

En 1921, Jacques Guerlain compose Shalimar, à base de Guerlinade — un composé de baumes, d'iris et de vanille —, créé en hommage à la princesse hindoue, Mumtaz Mahal pour laquelle son époux fit construire et lui dédia le plus emblématique des mausolées, le Taj Mahal. Le nouveau parfum fut présenté en 1925 lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs de Paris, au Grand Palais.

L'ouverture du premier institut de beauté au monde a lieu en 1939 sur l'avenue des Champs-Élysées, pour l'élaboration duquel ont travaillé les grands noms de l'époque Jean-Michel Franck, Christian Bérard et Diego Giacometti. 

 

Le lieu sera classé Monument historique. Le parfum Vétiver, un élégant parfum pour hommes, est créé en 1956 par Jean-Paul Guerlain et commercialisé en 1959.

 

  

  

Les années 1980 sont marquées par le succès des soins Les Météorites, des billes de couleurs différentes, censées sublimer le teint. En 1984 est lancé le parfum Terracotta, base au fil du temps de la première ligne à part entière avec 60 références de poudres, gloss et fards à joue.

 

En 1992, Jean-Paul Guerlain prend la direction de Guerlain. En 1994, le groupe LVMH rachète la maison Guerlain. En 2005, la maison Guerlain est rouverte après travaux par la décoratrice Andrée Putman et l'architecte Maxime d'Angeac. Au centre, trône un lustre gigantesque dessiné par Philippe Montels pour Andrée Putman et enchâssé dans l'orgue à parfums. Le lancement des parfums Les Quatre Saisons, signés Jean-Paul Guerlain, pour célébrer les 180 ans de la maison Guerlain est réalisé en 2008. Thierry Wasser devient le nouveau parfumeur de la maison.

 

En 2010, plusieurs associations ont appelé à un boycott des produits Guerlain et du groupe LVMH, en réaction aux propos racistes tenus par Jean-Paul Guerlain sur France 2[1].

 

  

Liste des parfums

 

Depuis sa fondation en 1828, Guerlain a créé plus de 300 parfums.

 

 

 

 

 

  

 

 

GUERLAIN



 

 

Pierre-François-Pascal Guerlain

En 1828, Pierre-François-Pascal Guerlain ouvrit sa première boutique rue de Rivoli à Paris, il créa des parfums différents pour chaque client. En 1840, il s'installa dans des locaux sur la rue de la Paix, un lieu très à la mode. Il composa des fragrances sur mesure pour de nombreuses personnalités. Il est assisté de ses deux fils, Aimé et Gabriel, il acquière une grande réputation. Il devient fournisseur officiel de la reine de Belgique.

 

 

 

En 1853, l’EAU DE COLOGNE IMPERIALE, dédiée à l'épouse de Napoléon III, lui vaut le brevet de Fournisseur Royal. Son flacon est orné des impériales abeilles garnies d’or. Il est toujours fabriqué de nos jours.

Eau Impériale

 

 

 

Ci-dessous, l’arbre généalogique de la famille Guerlain

 

 

Eau de Cologne du Coq A la mort de Pierre-François-Pascal Guerlain, les fonctions de gestionnaire et de créateur furent réparties entre ses deux fils Gabriel et Aimé. Aimé prit en main la création de nouveaux parfums. En 1884, FLEUR D’ITALIE, en 1885, SKINE et en 1887, ROCOCO. En 1889, JICKY transportera la parfumerie Guerlain dans une ère nouvelle de modernité. Gabriel dessina le flacon en hommage à son père avec un bouchon représentant un bouchon de champagne. Après JICKY, Aimé créa EXCELLENCE en 1890, BELLE-FRANCE en 1892 et CIPRICIME, EAU DE COLOGNE DU COQ en 1894.

 

 

Aprés l'ondée

En 1895, Jacques Guerlain (fils de Gabriel) crée JARDIN DE MON CURE. En 1900, c’est VOILA POURQUOI J’AIMAIS ROSINE et en 1904, CHAMPS ELYSEES et son flacon en cristal de Baccarat en forme de tortue. APRES L’ONDEE, que l’on trouve toujours chez Guerlain, fut lancé en 1906.

 

 

Mitsouko En 1912, Il prend la succession d’Aimé. et invente l’HEURE BLEUE. Ce parfum évoque le moment de la journée favori de Jacques, quand, dit-il, " le soleil s’est couché, la nuit pourtant n’est pas tombée. C’est l’heure suspendue. L’heure où l’homme se trouve enfin en harmonie avec le monde de la lumière". Le flacon est imaginé par Raymond Guerlain.MITSOUKO (« mystère » en japonais) verra le jour en 1919.

 

 

Shalimar En 1925, au moment de l'exposition des arts décoratifs, SHALIMAR remportera un immense succès. La création de ce parfum tient d'un très grand hasard. Il paraitrait que Jacques Guerlain, aurait versé quelques gouttes de vanille de synthèse dans le flacon JICKY "juste pour voir". Il créa SHALIMAR. Shalimar désignant le superbe jardin de Srinagar que le Shah Jahan créa en hommage à sa défunte épouse.

 

 

En 1929, création de LIU.. En 1933, Jacques Guerlain conçoit un nouveau parfum : VOL DE NUIT, en hommage à Antoine de Saint –Exupéry et à la compagnie Air France.

Vol de Nuit

 

Les usines Guerlain furent victimes de bombardements pendant la Seconde Guerre Mondiale. Celle-ci resta silencieuse dans l'après guerre.

En 1955, Jacques Guerlain créa son dernier parfum ODE avec l'assistance de son petit-fils, Jean-Paul (18 ans), héritier du " nez ".

 

Jean Paul Guerlain et son grand père Jacques

Chant d'Arômes

 

Jean-Paul Guerlain crée les parfums de la maison depuis l'année 1956. En 1959, il compose VETIVER, en 1962, CHANT D’AROMES et en 1965, HABIT ROUGE, sa deuxième fragrance masculine.

 

Parure En 1969, Raymond Guerlain composa CHAMADE, sa dernière création avant de mourir l'année suivante. Lancement de L’EAU DE GUERLAIN Nahema en 1974, Jean-Paul Guerlain crée PARURE en 1975 en hommage à sa mère, FIRST en 1976, SILENCES en 1978.    Pour la création de NAHEMA en 1979, Jean-Paul Guerlain s'inspira de Catherine Deneuve. JARDINS DE BAGATELLE en 1983, DERBY en 1985, SAMSARA en 1989, UN AIR DE SAMSARA et CHAMPS ELYSEES en 1996.

 

 

Robert Granai a dessiné tous les flacons Guerlain depuis 1959 notamment CHAMPS ELYSEES. En 1997, Guerlain a lancé une nouvelle version de VEGA (sorti pour la première fois en 1936) dans un flacon fabriqué en série limitée par Baccarat. En 1998, Un parfum en édition limitée, GUERLINADE, commémore le bicentenaire de la naissance de la maison.

Guerlinade

 

  

GUERLAIN

Depuis la première boutique, rue de Rivoli, en 1928, la maison Guerlain a produit plus de 300 parfums.

Pour expliquer les règles de son métier, Jean-Paul Guerlain, qui vient de tirer sa révérence, a consacré un ouvrage à ses voyages "Les Routes de mes parfums" aux Editions du Cherche Midi.