Le costume

Les éléments caractéristiques de l’art du Quattrocento se trouvent dans la mode qui est élégante et raffinée, sobre, lumineuse, linéaire. Elle s’adapte et exalte les hommes et les femmes qui vivent dans le monde imaginé par les humanistes, dans la cité idéale conçue par les nouveaux architectes. 

  

Lorsque l’ancien système féodal qui a longtemps dominé s’effrite dans toute l’Europe, avec des conséquences importantes dans tous les champs, lorsque l’activité marchande du Trecento se consolide, les banquiers riches et puissants vont jeter les bases des seigneuries à venir. Ils feront décorer leurs maisons, encore sans meubles, avec des ornements divers, ils changeront aussi la forme des vêtements en particulier ceux des hommes : on met un pourpoint matelassé (zuparello) avec des manches amovibles, tailladées, pour laisser voir la chemise de dessous.

  

  

En hiver on porte un manteau ou une casaque à manches fendues. Les femmes portaient pour les grandes occasions des robes à longue traîne. Cette “queue” indignait les prédicateurs et les législateurs qui voulaient la raccourcir. Saint Bernardin de Sienne estimait qu’elle faisait ressembler la femme a un animal “boueux l’hiver, poussiéreux l’été”. Il comparait cet appendice à un “balai de sorcière, un encensoir infernal”. Ceux qui contrevenaient aux lois somptuaires devaient payer de fortes amendes inscrites sur des registres appropriés.

Dues dames florentines dans la fresque “Le Mariage de la Vierge” de Domenico Ghirlandaio, XVe siècle,

(Florence, Santa Maria Novella)

  

  

Malgré la promulgation régulière de lois somptuaires contre les dépenses superflues, notamment celles de l’habillement, le luxe gardait un attrait irrésistible. Au même titre que les palais, les chevaux et les carrosses, le vêtement répondait au désir de briller en société.      

  

On rechercha donc des tissus précieux (au XVe siècle, la soie détrôna la laine, plus humble et usuelle, qui avait enrichi Florence au Moyen Âge) ; des tissus légers non ouvrés comme le taffetas, ou épais comme le velours, les brocards à fils d’or, les damas devinrent à la mode.

 

 

La naissance de la Vierge, vers 1465, Fra Carnevale,

(New York, Metropolitan Museum)

 

Portrait de jeune homme, vers 1495, école de Domenico Ghirlandaio, (San Marino, California, The Huntington Library). L’homme est habillé avec une tunique rouge sans manches (giornea) et coiffé d’un bonnet (beretta) de couleur rouge intense.

  

  

Plus tard, Léonard pressentit que les vêtements finiraient pour “épouser la forme du corps avec grâce et simplicité sans l’écraser sous des plis artificiels”. Comme auparavant, on appréciait alors la couleur (l’emploi de nouveaux colorants était récent).

  

À Florence, on préférait le drap rosé. Cosme de Médicis se plaisait à répéter que “deux cannes de drap rosé” classaient l’homme de bien et rendaient le bourgeois guindé mais élégant. Ce n’est qu’au cours du XVIe siècle qui se répandit la vogue du noir ; lancée à l’origine à Venise, puis évoquant l’Espagne, elle dominait au siècle suivant.

 

 

Groupe d’hommes dans la fresque “Joachim chassé du Temple” de Domenico Ghirlandaio, XVe siècle, (Florence, Santa Maria Novella)

  

  

Les couturiers ne jouèrent-ils qu’un rôle modeste, presque marginal, et ne grevèrent que très peu les sommes engagées. Ils ne furent même pas représentés par un art indépendant. À la fin du XIIIe siècle, ils firent partie de l’art des fripiers, avec les liniers ;

  

au XIVe siècle, ils s’associèrent aux teinturiers et aux tondeurs, puis, à nouveau, en 1415, on les retrouve avec les fripiers et les liniers. Leur métier n’acquit ses lettres de noblesse qu’au XVIe siècle, quand la mode requit des connaissances de coupe.

 

 

Portrait d’un homme (Le Tailleur), vers 1570, Giovanni Battista Moroni, (Londres, National Gallery). Cette représentation sobre et bienveillante d’un tailleur à son travail demeure cependant unique en son genre. Le tailleur présente un tissu noir espagnol alors à la mode. Il porte un costume taillé dans un tissu rouge et chamois moins à la mode, rehaussé toutefois d’une fraise espagnole.

 

 

Coiffures et couvre-chefs

Sur la tête, les Florentins avaient jusqu’alors porté un “mazzocchio”, tortillon de bourre recouvert de tissu et une “foggia” qui retombait le long de la joue gauche sur l’épaule et se prolongeait par un “becchetto” qu’ils laissaient prendre jusqu’au sol ou se nouaient autour du cou.

  

Au XVe siècle, on remplaça ce couvre-chef passé de mode par un bonnet conique relativement haut dont on relevait le bord arrière tout en le maintenant droit vers l’avant.

 

 

Jeune homme dans la fresque “Recontre de Salomon et la reine de Saba” de Piero della Francesca, (Arezzo, San Francesco) ; Portrait de jeune homme, 1440-1442, Paolo Uccello, (Chambéry, Musée des Beaux-Arts)

 

 

Détail de différentes formes de chapeau dans l’Adoration des Mages de Domenico Veneziano, 1439-41, (Berlin, Staatliche Museen)

  

Au début du XIVe siècle, les hommes restaient généralement imberbes ; puis les “condottieri “ des grandes compagnies françaises et allemandes répandirent la vogue de la barbe. Au XVe siècle, les hommes se rasèrent à nouveau et se laissèrent pousser les cheveux ; vers la fin du siècle, la barbe réapparut, touffue et diversement taillée.

 

Portrait d’un jeune homme, 1470-1480, Antonio del Pollaiolo, (Dublin, National Gallery of Ireland). Entre les peintres et les sculpteurs, la beauté masculine avait la même popularité que la beauté féminine. Très souvent les “garzoni” servaient de modèle et ses traits s’idéalisaient. Le jeune homme est présenté ici de profil, le regard fier et intense, le nez droit et la chevelure très fournie est couverte partiellement par un bonnet à la mode.

 

 

Les femmes au XVe siècle s’inspiraient de la coiffure française : atours et bourrelets échafaudés en pyramides et maintenus par des petits arcs d’osier ou de paille. Souvent avec un rembourrage de faux cheveux qui arrondit le sommet de la tête, la coiffure est ornée de fins cordonnets d’or ou de perles, de rubans, de bandeaux, de voiles, de bijoux.

  

La coiffure adoptera par la suite de formes plus sobres, divisant les cheveux en deux bandes lisses séparées au milieu du front, qu’enserre un bandeau orné de pierres précieuses. La couleur idéale qu’on cherche à donner aux cheveux naturels aussi bien qu’aux faux, c’est la couleur blonde.

  

Comme le soleil avait la réputation de teindre en blond la chevelure, il y avait des dames qui, par le beau temps, restaient toute la journée en plein soleil ; de plus, on employait des mordants et des mixtures pour teindre les cheveux.

 

 

Portrait de Simonetta Vespucci, 1485, Piero di Cosimo, (Chantilly, Musée Condé)

Portrait de femme de profil, vers 1475, Antonio del Pollaiolo, (Berlin, Gemäldegalerie). La femme de ce portrait à mi-corps, de profil sur un fond couleur bleu lapis-lazuli qui souligne la pureté de ses traits et contraste avec le tissu précieux. La coiffure est typique des dames florentines du XVe siècle.

 

  

Les bijoux

Les accessoires et surtout les bijoux eurent eux aussi, leur importance. Les pierres précieuses et les perles, qui enrichissent les vêtements, présentent en outre l’avantage de pouvoir orner divers vêtements, de ne pas s’altérer ; enfin, elles constituent un capital. À Florence existaient plus de cent ateliers d’orfèvrerie registrés au début du XVe siècle. Les bijoux avaient une signification particulière pour les riches florentins. Sa beauté et sa valeur marchande étaient des symboles du prestige familial, ils jouent un rôle très important dans la concertation de mariages.

  

Les femmes qui portent ces bijoux connaissent ses connotations ainsi que sa valeur symbolique. Dans le portrait de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, ses bijoux – un pendentif avec des perles, une broche et deux bagues – soulignent sa condition d’épouse du jeune Lorenzo Tornabuoni. Prêtés par la famille de l’époux le jour de ses fiançailles, Giovanna les a porté le jour de son mariage et pendant sa courte vie de jeune mariée.

  

La tradition florentine voulait qu’à la mort de l’épouse (Giovanna, est décédée suite à l’accouchement de son deuxième enfant, deux ans seulement après son mariage), les bijoux reviennent à la famille. Dans le portrait posthume de Giovanna réalisé par Ghirlandaio, elle porte une robe (giornea) décorée avec une stylisée L de Lorenzo et le diamant, emblème des Tornabuoni.

 

 

Portrait de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, 1480-1490, Domenico Ghirlandaio, (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza)

  

  

Des bijoux plus modestes ornaient les jeunes filles, cadeaux de ses parents, avec de gemmes plus humbles comme le corail qui dans l’iconographie profane est invoqué comme signe de protection.

  

Des jolis rangs de perles de corail entouraient les graciles cous ou bien de pendentifs en forme de camée ou de boucles d’oreilles. La “Jeune fille” peinte par l’atelier de Ghirlandaio (le maître était le peintre de la vie citadine florentine) arbore un collier de perles de corail et une perle-bouton, qui ferme le voile translucide qui couvre son décolleté.

 

 

Portrait de jeune fille, vers 1490-1494, atelier de Domenico Ghirlandaio, (Lisbonne, Museu Calouste)

Portrait de femme, vers 1470, Piero del Pollaiolo, (New York, Metropolitan Museum). La femme porte au cou un collier de perles soutenant un pendentif d’une rare beauté, avec un ange en relief au-dessus d’un gros rubis. Un voile couvre ses oreilles, des perles et pierres précieuses rehausse délicatement les cheveux dorés tressés “en guêpier”.

 

 

Le maquillage

Les femmes raffinèrent l’art jamais négligé du maquillage. Dans le “Libro dell’arte” (vers 1390) Cennino Cennini enseigne la manière de se farder mais, précisait-il, “Cependant je te dirai que si tu veux conserver longtemps la figure avec sa propre couleur, ne te lave qu’avec l’eau de la fontaine, de puits ou de fleuve, et sois certain que toute autre eau manufacturée rend en fort peu de temps le visage flasque, les dents noires, et finalement les femmes vieillissent avant l’âge”.

  

Elles aiment s’épiler (Boccace : les coiffeuses “épilaient les sourcils et le front des femmes, leur massaient les joues et leur embellissaient la peau du cou en en retirant certains poils”) ; toutes voulaient être blondes et se coiffaient avec beaucoup d’imagination ; certaines mettaient même de perruques.

  

Dans le buste du XVe siècle “La belle florentine” du Louvre, la large touche de rouge sur les joues, ainsi que le rouge des lèvres, font ressortir son teint de porcelaine, qui souligne ses traits. Des ombres légères au menton, ainsi que sous la paupière inférieure.

  

Sa coiffure entortillée des rubans soutient en même temps la masse de ses cheveux. La robe en tissu précieux, le bleu de sa chemise et de sa ceinture, donnent à l’ensemble une impression d’équilibre et de grâce suprêmes.

 

La belle florentine, XVe siècle, (Paris, musée du Louvre)

Le langage des couleurs et des étoffes

  

  

Dans la société de l’époque les couleurs des vêtements, les ors et les différentes étoffes représentaient des éléments taxinomiques permettant de distinguer avec précision le statut social et politique d’un individu au sein d’un groupe et d’un groupe dans la communauté. Même les gens les moins instruits savaient “lire” la signification des couleurs :

  

il s’agissait là d’une faculté commune dans la vie quotidienne mais dépourvue de supports écrits au moins jusqu’au milieu du XVe siècle. Le langage des couleurs possédait une grammaire faite d’échanges, de combinaisons et d’associations ;

  

  

ce langage servait, surtout à l’occasion des cérémonies publiques, à manifester l’accord ou le désaccord, à déclarer son amour ou à exprimer son aversion.

  

  

L’œil expert de l’homme médiéval parvenait à déterminer la valeur d’un vêtement – par la présence de matières précieuses tels les fils d’or ou d’argent, les perles ou les broderies, mais aussi par le brillant et la résistance des couleurs – et surtout à classer les étoffes selon un ordre précis.

  

  

Il reconnaissait les individus qui vivaient de la libéralité des seigneurs aux “chausses de la livrée”, c’est-à-dire aux couleurs choisies par le seigneur en question ;

  

les teintes unies étaient obtenues par un procédé sophistiqué et caractérisaient des étoffes coûteuses. L’industrie de la teinture avait atteint un bon niveau et permettait de bénéficier d’une ample gamme de nuances, même si le goût de l’époque conseillait d’arborer, surtout lors de cérémonies, des vêtements aux couleurs tranchées, nettes et brillantes comme le vert, le rouge et le blanc.

 

 

Le travail des teinturiers, miniature du XVe siècle, (Londres, British Library)

La couleur est un symbole et revêt en tant que tel une multitude de significations, parfois opposées. Il n’existait pas de couleurs franchement positives ou franchement négatives ; ce sont les combinaisons et les rapprochements qui en établissent le sens. Le jaune, qui passait dans l’Antiquité pour être la couleur la plus proche de la lumière divine, conserve cette valeur positive lorsqu’il est associé à l’or ; par contre le jaune et le vert ensemble expriment des idées comme la trahison, le désordre et la dégénérescence, voire la folie.

  

Dès l’Antiquité au rouge correspondait la force, le courage, l’amour et la générosité, mais aussi l’orgueil, la cruauté et la colère, et ceci surtout à partir d’un certain moment en association avec le bleu. À la création de ce système contribuaient probablement les intérêts et les conflits économiques liés au commerce des produits employés en teinturerie. Le blanc, comme le noir, n’est pas considéré comme une couleur mais comme une somme de couleurs.

  

Le blanc, du latin “candides” – d’où vient le mot “candidatus”, les candidats aux fonctions publiques s’habillant de blanc – devient synonyme de chasteté, d’honnêteté, de foi, de vérité, de bonheur, de joie, de victoire, de triomphe et de sincérité d’âme et de cœur. Les papes, les prêtres de l’Égypte antique, les vestales étaient vêtus de blanc.

 

 

Valets dans le cortège de la reine de Saba dans les fresques “Légende de la Croix” de Piero della Francesca, (Arezzo, San Francesco). Jeunes dans les fresques du palais Schifanoia, XVe siècle, Francesco del Cossa, (Ferrare)

 

http://www.aparences.net/art-et-mecenat/renaissance-et-vie-privee/la-mode-du-xve-siecle/ 

 

 

 

 

 

 

 

Les Diamants de la Couronne ou joyaux de la Couronne sont un ensemble de bijoux de la Monarchie Française puis de la République Française dont l'origine remonte à François I^er.

 

On cite comme pièce célèbre : Le Régent.

 

Ils sont aujourd'hui conservés en partie au musée du Louvre.

Bref historique :

• 1530, constitution de l'ensemble avec clause d'inaliénabilité.

La collection des Diamants de la Couronne fut constituée de façon délibérée en 1530 par François I^er qui isola un petit groupe de huit pierres ou bijoux en sa possession et les déclara inaliénables. De ce premier fonds ne subsiste que le spinelle dit la Côte-de-Bretagne. Ce fonds fut considérablement augmenté par la suite, particulièrement par Louis XIV.

• Sous le règne de Louis XIV, augmentation notoire. Les pierres furent parfois mises en gage mais furent toujours récupérées.
•  
• Vol dans la semaine du 11 au 17 septembre 1792, d'une partie des Diamants, à l’hôtel du Garde-Meuble de la Couronne, à Paris, où le trésor était conservé. Mais il fut de nouveau augmenté sous Napoléon, de telle sorte qu’il comprenait, en 1814, 65 072 pierres et perles, la plupart montées en bijoux, soit 57 771 diamants, 5 630 perles et 1 671 pierres de couleur (424 rubis, 66 saphirs, 272 émeraudes, 235 améthystes, 547 turquoises, 24 camées, 14 opales, 89 topazes).
•  
• Lors de la guerre de 1870, à l'annonce des premières défaites, les Diamants de la Couronne furent confiés à un contrôleur de la Banque de France, Léon Chazal  et transportés à l'arsenal de Brest, puis transférés sur un bateau de guerre, prêt à appareiller
•  
• 11 janvier 1887 loi d'aliénation votée par les Chambres à l'initiative de Benjamin Raspail.
• Du 12 au 13 mai 1887, vente d'une partie des Diamants, le Régent reste au musée du Louvre.

Quelques pièces :

histoire de France

• le Régent (diamant 140,64 carats), (cliché au dessus)

Joyau de la couronne de France, considéré comme le plus beau et le plus pur des diamants. Le Régent est un diamant célèbre découvert en 1701 à Golconde, en Inde du sud. Lors de sa découverte, il pesait 410 carats et Thomas Pitt, alors gouverneur de Madras, en fit son acquisition pour cent mille dollars.

Quelques années plus tard, en 1717, il le revendit six cent cinquante mille livres sterling à Philippe, duc d'Orléans et régent de France qui le fit tailler en brillant à Londres et le réduit ainsi à 140,5 carats. Depuis lors, on donna au diamant le nom de Régent et celui-ci fit partie du Trésor royal de France.

Louis XV le portait sur sa couronne lors de son sacre en 1722, et Marie-Antoinette le portait souvent comme bijou. En 1792, le diamant fut volé avec le Bleu de France mais fut vite retrouvé.

En 1797, il fut mis en gage par le gouvernement, mais racheté cinq ans plus tard. En 1804, Napoléon Bonaparte arbore le diamant sur la garde de son épée lors de son sacre. En 1825, Charles X porta le Régent sur la couronne royale lors de son couronnement.

En 1887, les joyaux de la Couronne française furent vendus aux enchères à l'exception du Régent qui est aujourd'hui au Louvre. Pendant la seconde guerre mondiale, on le dissimula dans du plâtre, derrière le marbre d’une cheminée du château de Chambord. Après les hostilités, il a repris sa place initiale

 

. le Sancy (diamant jaune pâle de 55,23 carats),

D'origine indienne, c'est le premier diamant taillé avec facettes symétriques, acquis en 1594 en Turquie par Nicolas de Harlay de Sancy, ambassadeur à Constantinople, puis plus tard surintendant des finances d'Henri IV. Vendu à Jacques I d'Angleterre en 1604, revendu par la reine Henriette-Marie, épouse de Charles I d'Angleterre, au cardinal Mazarin en 1657, qui le légua en 1661 à Louis XIV avec 18 autres diamants. Racheté par les musées de France en 1978.

 

 

Le Sancy

• le diamant bleu de la Couronne ou Bleu de France (69 carats, Hope (diamant) aujourd'hui),

C’est en 1671 que Louis XIV ordonne la retaille de son diamant brut d’environ 115 carats, ramené des Indes en 1668 par Jean-Baptiste Tavernier, le célèbre voyageur français. Le nouveau diamant ne pèse que 69 carats.

Mais sa taille exceptionnelle renforce sa couleur bleue saphir unique. Après le « Sancy », le diamant devient le deuxième plus important joyau de la Couronne de France aux yeux des rois mais certainement le plus unique d’entre tous. Il orne ensuite le grand insigne de l’Ordre de la Toison d’ Or de Louis XV, chef d’œuvre de la joaillerie baroque.

En 1792, la Toison est volée lors du sac de l’Hôtel du Garde-Meuble (actuellement Hôtel de la Marine, place de la Concorde à Paris). Le diamant bleu disparaît alors pour toujours.

 

Ce n’est qu’en 1812 qu’un diamant bleu foncé apparaît chez un joaillier londonien, puis dans la collection d’Henry Philip Hope, grand banquier de Londres. Ce diamant bleu, rond, pèse 45,5 carats.

Dès 1856, des doutes allaient être émis sur l’origine précise de ce diamant anglais. Il ne manquait juste qu’une réplique du diamant bleu français pour clore l’enquête...

• le Spinelle dit Côte-de-Bretagne,

Cette pierre a appartenu à Marguerite de Foix, duchesse de Bretagne, puis à sa fille, Anne de Bretagne, reine de France. C'est la seule pierre d'origine subsistante de la liste de François 1^er.

 

Elle ne prit sa forme actuelle que sous Louis XV. La pierre fut alors taillée en forme de dragon et montée sur une décoration de l'ordre de la Toison d'Or, en diamants et pierres de couleur.

 

 

 

• le diamant rose dit Hortensia (diamant rose de 21,32 carats), Diamant de couleur pêche acquis par Louis XIV qui le portait à sa boutonnière, taillé en 1678 à 5 pans, baptisé du nom de la reine de Hollande, Hortense de Beauharnais, qui le porta.

 

 

Couronne du Sacre de Louis XV avec des fac similés, des pierres précieuses et des perles - 1722

Diadème d'émeraudes de la Duchesse d'Angoulème 1819 - 1820

Bibliographie :

• Gérard Mabille, Les Diamants de la Couronne, éd. Gallimard, 2001, (ISBN 2070761258), (ISBN 978-2070761258).

.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

  

  

La poupée existe de les temps les plus reculés, on a en effet, retrouvé des poupées qui datent de la préhistoire, bien sûr, ces poupées avaient des formes primitives.

 

 

 

  

Les premières poupées véritables, remontent à l'Egypte pharaonique du Moyen Empire, la poupée était réalisée en bois, et elles ont + de 4000 ans. Les poupées en chiffon ou en tissu sont aussi égyptiennes, mais sont plus récentes, 600 ans environ avant J.C.

 

C'est au XIX° siècle, avec l'apparition du papier mâché, que l'on a vu apparaître les poupées en très grand nombre et des poupées diverses en variété.

 

La première poupée qui possédait des yeux mobiles est née en 1880.

 

 

Le XVIII° siècle, a quant à lui, vu apparaître la poupée-mannequin, qui était présentatrice et ambassadrice de la mode française.

 

 

 

 

  

Un fabricant Allemand de Sonneberg créa en 1887, les têtes de poupées en "pâte cartonnée", appelée cuir cartonné, qui devait être placée entre les moules chauds et subir une forte pression.

  

La composition fut aussi employée comme base sous la cire pour rendre les têtes plus attrayantes.

 

 

  

  

Au début du XXe siècle, le composé à base de bois devint le matériau universel pour la fabrication des poupées

 

De nos jours on retrouve encore des poupées anciennes et de collection, à savoir des poupées en porcelaine, des poupées en cire, des poupées de chiffon, des poupées russes, des poupées Bella, qui ont existé, elles, entre 1946 à 1984, qui ne sont plus vendues dans les magasins, mais que l'on retrouve chez les collectionneurs,toutes les poupées peuvent donner lieu à un début de collection qui s'orientera avec la recherche et selon le goût : bois, biscuit, porcelaine, papier mâché, celluloïd, rhodoïd, cire, feutre, tissu ou plastique et dans les bourses de poupées.

 

 

 

Les poupées Bella, ont rendu plus d'une génération de petites filles heureuses, maintenant on retrouve toujours des poupées qui font toujours la joie des petites filles, elles s'appellent maintenant Barbie, Charlotte aux fraises, Dora, Corolle, Carina, Bratz, Becassine etc...

 

Ces poupées sont des poupées chiffons, des poupées à thèmes, des poupées souples, des poupées mannequin, des poupées qui bougent, qui parlent, qui chantent !!! des poupées fées comme Tozy, Céleste, Roy, des poupées parfumées, des poupées accompagnées d'un tas d'accessoires, etc...

 

 

  

Les poupées font toujours plaisir, la poupée est un excellent cadeau pour une fille, à l'occasion d'un Noël, d'un anniversaire, on trouve des centaines de poupées différentes, dans les magasins de jouets et sur les sites de jouets en ligne d'internet.

 

 

 

Les poupées sont relativement d'un coût abordable, car il y en a à tout les prix, du plus petit au plus grand... cela laisse toute latitude, aux personnes qui ont un budget restreint.

 

On peut offrir une poupée, sans trop se ruiner !!! Si vous avez le temps, allez visiter le musée de la poupée à Paris. Au Japon, il une fête annuelle japonaise qui met en valeur les poupées.

 

Sources D.R. article du 27 novembre 2010